miércoles, 17 de enero de 2018

Sueño Lúcido - Kim Joon-seong-I

Título original: 루시드 드림 Lusideu Deulim - Lucid Dream

Año: 2017
Duración: 102 min.
País: Corea del Sur

Dirección: Kim Joon-seong-I
Guión: Kim Joon-seong-I
Fotografía: Park Hyun-Chul

Reparto: Sol Kyung-Gu,  Ko Soo,  Kang Hye-Jung,  Park Yoo-Chun,  Park In-Hwan, Cheon Ho-Jin,  Jun Suk-Ho,  Lee Shi-A,  Kim Kang-Hoon, Hwa-Yeong Lim (Voz: Nico Birnbaum)

Productora: Rod Pictures. Distribuida por Netflix

Dae Ho es un periodista cuyo hijo ha desaparecido, secuestrado mientras ambos disfrutaban juntos de un día en el parque de atracciones. Desesperado, buscará la ayuda de un detective, pero será su colaboración con una psiquiatra lo que parezca acercarle a las respuestas que busca. Juntos explorarán las técnicas experimentales del sueño lúcido, una inmersión en el subconsciente en busca de los recuerdos y detalles olvidados que puedan darle la pista definitiva de lo ocurrido.

La película, escrita y dirigida por Kim Joon-seong-I, se constituye como un thriller frenético que toma prestados recursos de pura ciencia ficción para sumergirnos en un onírico mundo donde los recuerdos, los sueños y la realidad se funden.

La propuesta, con su atípico planteamiento, resulta bastante entretenida en su desarrollo pese a tener serias irregularidades de ritmo narrativo. Sin embargo, requiere de tal suspensión de lógica, coherencia y realidad por parte del espectador para aceptar lo que le está siendo contando, que pierde veracidad y fuerza.

Por otra parte, los personajes se sienten un tanto unidimensionales y planos, sin demasiada pasión en sus interpretaciones ni claroscuro alguno en sus trasfondos. Este factor, unido a unos giros de guión que pretenden sorprender, pero que se anticipan sin demasiado esfuerzo, resta enteros a la calidad global del film.

Sin embargo, y pese a todas sus debilidades, estamos ante un producto digno para abandonarse durante algo más de hora y media a su propuesta y dejarnos entretener, eso sí, sin encender nuestro raciocinio ni analizarla demasiado.  Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

martes, 16 de enero de 2018

Awaken The Shadowman - J.S. Wilson

Título original: Awaken the Shadowman

Año: 2017
Duración: 90 min.
País: Estados Unidos

Dirección: J.S. Wilson
Guión: Skyler Caleb, Woodrow Wilson Hancock III, James Zimbardi
Música: Douglas Pipes
Fotografía: J.S. Wilson

Reparto: James Zimbardi,  Skyler Caleb,  Jean Smart,  Emily Somers,  Andrea Hunt, Robert R. Shafer,  Raam Weinfeld,  Grace Van Dien,  Sophie Labelle,  Casey Kramer

Productora: Wild Story Productions. Distribuida por Gravitas Ventures [USA]

Una pareja, junto a su bebé, deberá trasladarse al hogar de la infancia del marido, pues su madre ha desaparecido.
Este hecho le reunirá con todo aquello que dejó atrás, despertando antiguos demonios, heridas sin cerrar. En la investigación sobre el posible paradero de la abuela, descubrirán aspectos de la vida de esta que les son desconocidos, así como les pondrá en contacto con un grupo de personas que, empeñados en hacerles sentir mejor frente su pérdida, amenazarán con arrastrarlos al infierno.

J.S Wilson dirige esta película de terror de pulso pausado y ritmo creciente, que pretende sumergirnos en una historia cada vez más oscura y llena de secretos. A tramos lo consigue, pero el conjunto se tambalea.

De agradecer es que el film se esfuerce por salirse de los cánones del género y trate de trabajarse una atmósfera opresiva a medida que detalles oscuros se van revelando sobre lo que se pensaba terreno conocido y seguro, el entorno familiar.

Lamentablemente, este esfuerzo no logra la suficiente calidad en su desarrollo como para llegar a atrapar el ánimo ni despertar la inquietud suficiente para que funcione la fórmula. Su pulso narrativo es demasiado lento y los giros, sorpresas y descubrimientos no están presentados con la suficiente intensidad como para arrancar el bostezo del rostro del espectador.

Este factor, unido a una labor más que discreta por parte de su elenco protagonista, con unas interpretaciones grises y apagadas, no consigue sumergirnos del todo en la atmósfera ni empatizar demasiado con las desventuras de esta familia maldita.

Una película que es un ejercicio de buenas intenciones, con buenas ideas y varias escenas brillantes, pero que en su conjunto no logra funcionar ni entretener tanto como se esperaba de ella. Fallida.

Enoch.
Valoración:4/10
Trailer:


lunes, 15 de enero de 2018

My Man - Kazuyoshi Kumakiri

Título original: Watashi no otoko (My Man)

Año: 2014
Duración: 129 min.
País: Japón

Dirección: Kazuyoshi Kumakiri
Guión: Takashi Ujita
Música: Jim O'Rourke
Fotografía: Ryuto Kondo

Reparto: Tadanobu Asano,  Fumi Nikaidou,  Tatsuya Fuji

Productora: Nikkatsu Corporation

Hana es una niña,  la única superviviente de su familia tras una devastadora tragedia. Un tsunami ha quebrado su mundo dejándola completamente sola e indefensa.
Será acogida por Jungo, un hombre solitario relacionado con su familia, quien se encargará de su educación y con el que vivirá como padre e hija.
Ambos, descastados, solitarios y rotos por dentro, desarrollarán una relación obsesiva, de máxima dependencia y devoción, hasta traspasar la línea donde las emociones y la piel se funden.

El film de Kazuyoshi Kumakiri, triunfador del festival de Moscú donde se alzó con el galardón de mejor actor y película, sedujo con su prohibida propuesta a la crítica, logrando también participar en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

"My Man" se nutre de una gran interpretación por parte de su pareja protagonista. Ambos brillan al saber transmitir el dolor de unos personajes quebrados, con un mundo interior roto por una vida marcada por la pérdida. Su malsana relación es creada por ambos con maestría, destilando deseo y obsesión, así como amenaza frente a todos aquellos que osen tratar de acercarse a su microcosmos.

Otra virtud del film reside en su tratamiento visual. La mayor parte de la historia se desarrolla en parajes gélidos, cubiertos de nieve, aislados como los propios personajes, franqueados por insondables y letales barreras de hielo. Todo ello conecta de forma directa con las emociones y es reflejo de la vida interior de una pareja prohibida, peligrosa para los demás, y para ella misma.


En su contra juegan su quizás demasiado dilatado metraje y un epílogo un tanto cuestionable, no en contenido, sino en formas. Por lo demás, nos hallamos ante una película valiente, potente en lo visual y las interpretaciones y doliente en su contenido, muy interesante.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

domingo, 14 de enero de 2018

Call Me By Your Name - Luca Guadagnino

Título original: Call Me by Your Name

Año: 2017
Duración: 130 min.
País: Italia

Director: Luca Guadagnino
Guión: Luca Guadagnino, James Ivory, Walter Fasano (Novela: André Aciman)
Música: Sufjan Stevens
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom

Reparto: Timothée Chalamet,  Armie Hammer,  Michael Stuhlbarg,  Amira Casar,  Esther Garrel, Victoire Du Bois

Productora: Frenesy Film Company

Elio pasa las vacaciones de verano de 1983 en una gran villa del norte de Italia junto a su familia. Su padre, un erudito de la historia y la literatura, invitará a un joven becario, Oliver,  a pasar los meses estivales con ellos, para que trabaje en su doctorado.
El verano transcurre entre la pereza, la música, los libros y los paseos sin rumbo por la naturaleza. Los personajes se relacionarán, divagarán y matarán el tiempo soñando despiertos. En este entorno, la relación entre los dos jóvenes, Elio y Oliver, se hará más y más intensa, despertando la adoración y el deseo de forma inexorable, cambiando su forma de vivir la vida para siempre...

Luca Guadagnino, director y guionista (junto a James Ivory, nada menos) del film, adapta la intensa novela de André Aciman a la gran pantalla con tal mimo que le ha reportado el éxito en el circuito de festivales así como una innumerable (y merecidísima) galería de reconocimientos, nominaciones y galardones tanto para la película como para sus intérpretes.

Guadagnino retoma la atmósfera que tan bien consiguiera con su anterior obra (Cegados Por el Sol) en la que el verano se filtra bajo la piel de sus protagonistas y se transmite a la audiencia. Consigue, con su paleta fotográfica de cálidos colores, su ambientación musical y la seducción de sus cámara, arrastrarnos en el tiempo a veranos sin fin con días cálidos e interminables donde el ocio y el abandono a las sensaciones más primarias son la única preocupación abriendo así la puerta a las más desbocadas emociones.

Ineludible es la alabanza a sus intérpretes principales. Tanto Timothée Chalamet, encarnando al joven Elio, como Armie Hammer, en la piel del becario visitante que pone la vida de todo su entorno del revés, son para quitarse el sombrero. Ambos han sabido dotar a sus creaciones de una verdad y una sensibilidad inusitadas, dando forma a unos personajes con los que la empatía es automática y que quedan grabados en el recuerdo cinéfilo con inmensa ternura.

La otra piedra angular del film es su guión, una maravillosa adaptación de la novela que sabe trasladar la densidad de sus páginas al lenguaje del fotograma. Su contenido relato no está falto de ritmo, siendo sabio en el dibujo no sólo del lugar y sus costumbres, sino en el universo interior de sus habitantes. Las relaciones están elaboradas de manera sublime, las amistades, los romances, la familia, todo brilla. El despertar a lo prohibido, el deseo incontenible y el autodescubrimiento a través de los anhelos, logros y decepciones están narrados de una forma tan milimetrada y sincera, que impresiona lo auténtico de las emociones que muestra. Igualmente para aplaudir son los diálogos que fluyen entre sus personajes, escondiendo verdaderas joyas (especialmente las protagonizadas por el padre de Elio) que hacen de varias escenas un deleite que no necesita más que las palabras en ella vertidas.


Con todo ello, estamos, a mi parecer, ante una de las mejores películas de la temporada. Delicada, sensual y sencilla en su sincera complejidad, nos hace no sólo viajar en el tiempo a décadas pasadas, sino conectar con un pasado en que la inocencia y los sueños eran dueños del timón de unas vidas aún sin rumbo. Deliciosa.

Enoch
Valoración:9/10
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sábado, 13 de enero de 2018

Skyline, el último crucero - Zao Wang

Título original: The Precipice Game

Año: 2016
Duración: 94 min.
País: China

Dirección: Zao Wang
Guión: Doudou, Zhou He, Rebecca Wang
Música: Greg Yu
Fotografía: Joewi Verhoeven

Reparto: Ruby Lin,  Peter Ho,  Mr. Black,  Wang Ji,  Scar Kim,  Li Lin,  Li Shangyi,  Ji Wang, Gai Yuexi

Productora: Fundamental Films

Anualmente, un exclusivo juego se realiza a bordo de un crucero de lujo. En él, un reducido grupo de elegidos se embarcan para competir en una aventura de búsqueda del tesoro que esconde un suculento premio. Para la sorpresa de una inocente joven, ella y su novio serán seleccionados para la nueva edición. Subirán a bordo llenos de esperanza y altas expectativas, sin saber que, en el juego que les aguarda, el premio se halla en la supervivencia. Comenzará entonces una carrera contra el tiempo y entre los propios participantes.

Zao Wang dirige esta película de origen chino que comienza centrada en los devenires de un romance para pronto tornarse intenso y claustrofóbico thriller con una estructura y narrativa que bien podría formar parte del universo de la saga "Saw" por su lúdica y sangrienta maldad.

El film, en su mayor parte, sigue las reglas del juego. Reúne personajes desconocidos entre sí entre los que las desconfianzas y sospechas serán elemento necesario para la continuidad de la trama y que ellos mismos sean trampas mortales para el grupo. Concatena escenarios que pondrán a prueba su inteligencia y capacidad deductiva, auténticas "scape rooms" que habrán de superar para no sólo no perder el supuesto premio, sino la propia vida.

Técnicamente la película es correcta, creativa en el uso de sus escenarios e inteligente en los elementos que incluye a cada escalón de este juego mortal. Sin grandes alardes, solventa de forma agradable el crescendo de la acción en lo visual.

Interpretativamente nada destaca, con una galería de personajes bastante adscritos al cliché, potentemente diferentes entre ellos, pero sin grandes matices. Es el guión sobre el que asienta, quien, aunque tramposo, logra convencer y, sobre todo, entretener con sus giros de principio a fin, logrando algo complicado en este tipo de películas, que es sorprender.

En conclusión, una película para pasar un rato agradable atrapado en las garras del juego mortal que propone y los secretos que oculta. Correctamente realizada y un vehículo de entretenimiento más que digno. Agradable.

Enoch
Valoración:6/10
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viernes, 12 de enero de 2018

Matar a Dios - Caye Casas y Albert Pintó

Título original: Matar a Dios

Año: 2017
Duración: 90 min.
País: España

Dirección: Caye Casas,  Albert Pintó
Guión: Caye Casas, Albert Pintó
Fotografía: Miquel Prohens

Reparto: Itziar Castro,  Eduardo Antuña,  Boris Ruiz,  David Pareja,  Emilio Gavira

Productora: Alhena Production

Una familia, que no atraviesa el mejor de los momentos y entre cuyos miembros palpitan peligrosas tensiones se reúne en un caserón lejos de todo para celebrar el fin de año. De la nada surgirá un extraño visitante, un hombre que proclama ser Dios y llega para anunciar el Apocalipsis de la raza humana y comunicar a los reunidos que en ellos recae la responsabilidad de elegir qué dos únicas personas han de quedar con vida tras el fin de los tiempos para comenzar de nuevo. El debate y las situaciones extremas están servidas...

La película, dirigida y escrita por Caye Casas y Albert Pintó, fresca en su propuesta, le ha abierto las puertas a festivales como la 28 Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián o Sitges, donde se alzó con el gran premio del público de la sección de largometrajes.

"Matar a Dios", con su puesta en escena discreta y restringida en espacios, salda su factura técnica sin alardes pero con efectividad, con un agradable trabajo de fotografía y una dirección artística austera pero eficaz centrando todo el foco de atención en sus personajes e interacciones.

En ellos, el quinteto protagonista, recae gran parte del peso de la película. Todos y cada uno bordan unas interpretaciones a la altura de lo interesante a la par que cercano de sus personajes, unos roles con los que el espectador no encontrará dificultad alguna para empatizar y compartir sus dudas, miedos y elucubraciones. Pese al buen trabajo general, no puedo dejar de subrayar la gran labor de Itziar Castro y Emilio Gavira, que copan toda la atención con unas interpretaciones para quitarse el sombrero.

El otro pilar sobre el que se asienta  "Matar a Dios" es su guión. En él encontraremos no sólo una fresca y simpática idea sobre la que gira el argumento del film, sino una telaraña de subtramas basadas en las relaciones y diálogos entre los habitantes de sus páginas que fluyen con simpatía, agradable humor negro e inteligencia.

Pese a lo aparente pequeño del proyecto, la película es eficaz, divertida y un soplo de aire fresco con el que dejarse llevar, entretener y disfrutar. Caye Casas y Albert Pintó nos demuestran que con pequeños recursos se pueden hacer una notable película, y, en lo interpretativo, Itziar Castro y Emilio Gavira nos recuerdan que un papel memorable no depende de tallas ni estaturas sino de la calidad de un trabajo bien hecho.

Enoch
Valoración: 7/10
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jueves, 11 de enero de 2018

Meatball Machine Kodoku - Yoshihiro Nishimura

Título original: Kodoku: Mîtobôru mashin

Año: 2017
Duración: 108 min.
País: Japón

Dirección: Yoshihiro Nishimura
Guión: Sakichi Satô, Yoshitaka Nishimura
Música: Takashi Nakagawa
Fotografía: Keizo Suzuki, Keizô Suzuki

Reparto: Eihi Shiina,  Masanori Mimoto,  Takumi Saitô,  Yôji Tanaka,  Ami Tomite,  Riri Kôda, Maki Mizui,  Miho Wakabayashi,  Yôta Kawase,  Tomori Abe,  Takashi Nishina, Kentarô Shimazu,  Hiroko Yashiki,  Yurisa,  Miyuki Torii,  Yoji Tanaka

Productora: Ark Entertainment / King Records / Nishimura Motion Picture Model Makers Group

¿Qué puede haber más deprimente que un gris cobrador del frac de mediana edad, poco efectivo ante los deudores y reprimido ante las exigencias de su distante madre? El único gozo del día llega en su librería preferida, cuando apenas intercambia unas palabras de cortesía con la amable y joven vendedora. Todo esto  explotará el mismo día en que le diagnostican un cáncer y, además, una sombra se cierne sobre la ciudad infestándola de extrañas criaturas.

Yoshihiro Nishimura firma aquí la continuación de Meatball Machine (2005), película igualmente de serie Z japonesa, en la que fue el artífice de los efectos especiales. Parece que la idea le enamoró y el director de Tokio Gore Police se metió a fondo en la charcutería para dar rienda suelta a esta descerebrada propuesta. 

Lo verdaderamente atractivo de esta cinta de monstruos es el desenfreno de situaciones, seres, armas y demás artimañas de gomaespuma que la plagan de principio a fin. Un desfile de lo grotesco y bizarro que mantiene vivo al fandom del bajo presupuesto nipón que nació con series como Ultraman, Goldar o Bioman y continúan el legado con un cine de calificación R gamberro.

Puede considerarse esta aventura de criaturas espaciales como una fantasía para el hombre medio japonés: el protagonista, hombre de mediana edad con un trabajo poco satisfactorio y una vida social inexistente, se encuentra ante la circunstancia de tener que salvar a la humanidad con unos poderes no solicitados, y esto le redescubrirá un nuevo carácter duro y decidido.

Un final muy loco y divertido coronará la cinta para terminar desternillados tras esta orgía de vísceras y erotismo barato tentacular.

Sihaya Kynes
Valoración: 6/10
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miércoles, 10 de enero de 2018

Darkness Rising - Austin Reading

Título original: Darkness Rising

Año: 2017
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Austin Reading
Guión: Vikram Weet
Música: Thomas Gamble
Fotografía: Adam Biggs

Reparto: Tara Holt,  Bryce Johnson,  Katrina Law,  Heather Mazur,  Ted Raimi,  Myk Watford, Christian Ganiere

Productora: Storyboard Entertainment / Compass Entertainment / Bump in the Night / Liquid Theory. Distribuida por IFC Films [USA]

Tres amigos regresan a la que fue el hogar de una de ellos, un lugar que esconde para la joven traumáticos recuerdos ligados a su familia y la violencia. Lo que comienza como un doloroso viaje a los recuerdos se tornará presente pesadilla cuando la casa despierte de su silencio y oscuras fuerzas regresen a la vida con la intención de añadir tres nuevas víctimas a su sangrienta historia.

Austin Reading da vida a un guión de Vikram Weet en esta película de bajo presupuesto que se adscribe al subgénero de las casas encantadas para tratar de aterrar a la audiencia con sus sobresaltos y giros de guión. Lamentablemente, el resultado no reviste la calidad buscada.

Pese a disponer para el desarrollo del film de una buena localización, un laberíntico caserón lleno de posibilidades, no se explota con la maestría que hubiera sido deseable. El mal uso de los espacios sumado a un trabajo de fotografía de escasa calidad, hace que "Darkness Rising" resulte fallida en su vertiente técnica y visual.

Una labor insípida de su trío de intérpretes tampoco ayuda a levantar el film. Sus papeles, ya acartonados por un guión con un pobre retrato de personajes y trasfondos, lastrados por unos diálogos y reacciones absurdos y poco creíbles, poco tenían que ofrecer, y la escasa calidad interpretativa que ellos aportan terminan de redondear el desastre.

Las páginas de esta historia se llenan de lugares comunes del terror, giros ya vistos hasta la saciedad y escasa o nula sorpresa, que si bien no aburre, tampoco interesa ni atrapa de forma alguna.

Todos estos factores hacen de esta propuesta algo totalmente prescindible, que aunque no resulta pésima, sí altamente olvidable tan pronto como asoman los títulos de crédito.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

martes, 9 de enero de 2018

Hounds of Love - Ben Young

Título original: Hounds of Love

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: Australia
Dirección: Ben Young
Guión: Ben Young
Música: Dan Luscombe
Fotografía: Michael McDermot

Reparto: Emma Booth,  Ashleigh Cummings,  Stephen Curry,  Susie Porter, Damian de Montemas,  Harrison Gilbertson,  Fletcher Humphrys,  Steve Turner, Holly Jones,  Michael Muntz,  Marko Jovanovic,  Liam Graham,  Lisa Bennet, Eileen Colocott,  Kingsley Judd

Productora: Factor 30 Films

Una joven camina de noche, sola, por la carretera. Una pareja se ofrecerá a llevarla en coche, pero una parada que se suponía momentánea en el hogar de estos, será el final del trayecto. Allí la adolescente será retenida contra su voluntad, secuestrada y agredida a voluntad de un individuo perturbado que cuenta con la ayuda de su amante e inestable esposa. Escasas son las esperanzas de la familia de la desaparecida, horror profundo es el que experimenta ella misma, desorientación la que sufre una policía que no da con la pista correcta, placer malsano el que disfruta la pareja secuestradora... cuatro hilos que se trenzan en una espiral de violencia y miedo.

Muchas son las virtudes de esta potente obra de Ben Young, responsable de la dirección y el guión de la película, inquietante y perturbadora, tanto que le han abierto la puerta a participar en diversos festivales obteniendo el favor de crítica y público, como en Sitges o la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

La muy personal mirada de este director eleva la calidad visual de "Hounds of Love" a un alto nivel. El regodeo de sus ojos, en inquietante cámara lenta, por el entorno de caza de la pareja, su ambiente y posibles víctimas, nos predispone desde el inicio mismo a un estado de ánimo suspendido entre la fascinación y el terror. La perspectiva de su cámara, alternando la visión de poder de los captores y trasladándonos a la desesperada indefensión de la víctima encerrada, alternativamente, es tan sabia que hace de la experiencia de su visionado algo totalmente inmersivo, voyeur y desgarrador.

Tanta sensación de verdad se ve subrayada y reforzada por la espectacular interpretación de su elenco protagonista, en especial, la de aquellos que interpretan a la despiadada y perturbada pareja secuestradora. Su relación, su devenir psicológico, su inestabilidad y la peligrosidad de una personalidad al límite de la cordura se retratan con tal nivel de detalle e intensidad, tal verosimilitud, que resulta escalofriante. Un trabajo para quitarse el sombrero.

Bien es cierto que "Hounds of Love" nos acerca una historia mil veces contada en el cine, pero lo hace de una forma tan milimetrada, cuidada y estudiada en lo visual, narrativo e interpretativo, que tiene como resultado una película de alta calidad de las que dejan poso en la memoria y consiguen que el nudo en el estómago que logra atar en la audiencia, les acompañe más allá de la salida de las puertas de la sala de cine. Recomendable.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:

lunes, 8 de enero de 2018

7 Witches - Brady Hall

Título original: 7 Witches

Año: 2017
Duración: 75 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Brady Hall
Guión: Brady Hall, Ed Dougherty
Música: Brady Hall
Fotografía: Ryan Purcell

Reparto: Persephone Apostolou,  Megan Hensley,  Mike Jones,  Macall Gordon, Danika Golombek,  Nancy Frye,  Bill Ritchie,  Ben Van Dusen,  Kris Keppeler, Rory Ross,  Lorraine Montez

Productora: GMMG Films

Dos jóvenes, de muy distintos estilos y orígenes, han decidido unir sus destinos para siempre en matrimonio. Para celebrar su boda, se desplazarán a una isla lejos de todo, donde la familia de una de las jóvenes tiene su hogar y les espera para conocerse y proceder con los ritos. El lugar, inhóspito y gris, y sus habitantes, misteriosos y siniestros, les reciben con los brazos abiertos prestos a celebrar un ritual que no es el que los visitantes jamás podrían imaginar.

La película, escrita y dirigida por Brady Hall, trata, con sus escasos recursos, de adentrarnos en un ambiente malsano y amenazante en el que, con una buena idea de partida, inquietar al espectador con una historia en la que, desde el comienzo, se masca la tragedia...

"7 Witches" trata de insuflar a su relato una atmósfera siniestra a través de un trabajo de fotografía gris, plomizo y oscuro, tanto que satura y pierde parte de efectismo ante la falta de matices y el abuso y falta de contraste. El mismo tratamiento da a los oscuros habitantes de la isla, exagerando su hieratismo y rictus, restando naturalidad a la interacción de personajes y perdiendo verosimilitud mostrando una situación que, pese a lo inquietante, no resulta en ningún momento creíble.

La labor del grupo de actores y actrices que pueblan esta propuesta tampoco ayuda a la veracidad de lo narrado, con una galería de interpretaciones cercanas a lo amateur, factor que termina de conseguir que la audiencia no se sumerja en los avatares de su funesto destino.

Hay innumerables casos en los que la falta de medios económicos para la realización de un film no es impedimento para que brille el talento y la creatividad, pero "7 Witches" no está entre ellos. Errónea en su realización formal e interpretativa, sólo la encuentro salvable en la vertiente argumental, donde tenía una interesante historia como base que no ha sabido explotar como merecía. Fallida.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

domingo, 7 de enero de 2018

Revenge - Coralie Fargeat

Título original: Revenge

Año: 2017
Duración: 108 min.
País: Francia

Dirección: Coralie Fargeat
Guión: Coralie Fargeat
Fotografía: Robrecht Heyvaert

Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz,  Kevin Janssens

Productora: M.E.S. Productions / Monkey Pack Films / Logical Pictures / Charades

Una pareja disfruta de unos días lejos de todo en un retiro de lujo. Su soledad no tardará en verse rota por los amigos de él, que llegan dispuestos a continuar la tradición de salir de caza. Sin embargo la primera presa la hallarán entre los mismos muros de la casa. Atraídos por la joven, se desatará la violencia. Ella será dada por muerta en los asolados páramos, pero nada más lejos de la verdad, la rabia y el ansia de venganza le insuflarán la vida y valentía necesarias para ejecutar la más salvaje de las venganzas.

Coralie Fargeat  escribe y dirige esta película que se adscribe al subgénero de terror "Rape & Revenge", tan prolífico en los últimos años. Dado el carácter propio que ha sabido imprimir a su obra, la puerta del circuito de festivales de género se ha abierto para su creación, pasando con bastante aceptación por varios de ellos alzándose incluso con el galardón de los premios de los medios digitales, Blogos de Oro, en el Festival Nocturna de Madrid.


"Revenge" nos ha generado sensaciones radicalmente polarizadas, con muy potentes factores que alzan la cinta como algo especial y otros opuestos que tiran por tierra el disfrute...

A su favor encontramos la esforzada labor de sus intérpretes, sobre todo de su protagonista, una inagotable Matilda Anna Ingrid Lutz que puede con lo que le echen. Igualmente agradable resulta el tono que le confiere su directora, añadiéndole un filtro al relato que la diferencia de otras propuestas del mismo género. Pero es en lo visual donde encuentro su punto más fuerte. El tratamiento de la luz, de los espacios, y del lenguaje de la sangre, es un verdadero disfrute para la retina, rubricando escenas para el recuerdo de extrema potencia.

En su contra encontramos la imperfección de un guión que sobrepasa todos los límites. Si bien el espectador siempre tiene que hacer manga ancha ante la inverosimilitud de estas propuestas en cuanto a las fuerzas sobrehumanas de la víctima vengadora, en "Revenge" lo lleva tan al extremo que nada de lo narrado tiene credibilidad alguna. Esto por un lado divierte, pero hace perder la fuerza a un conjunto que hubiera podido ser muy grande acercando más a su protagonista a la humanidad (que no a la inmortalidad de una super heroína de otra pasta).

Esta mezcla explosiva hace de "Revenge" una propuesta extraña, eso sí, de innegable personalidad, que consigue entretener y hacer alucinar a partes iguales, disfrutable si se consigue obviar toda necesidad de realismo, pero que, al que aquí escribe, no terminó de convencer por sus excesos, no de sangre ni violencia, sino de fantasía.

Enoch
Valoración:6/10
Teaser:

sábado, 6 de enero de 2018

Tres Anuncios en las Afueras - Martin McDonagh

Título original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Año: 2017
Duración: 112 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Martin McDonagh
Guión: Martin McDonagh
Música: Carter Burwell
Fotografía: Ben Davis

Reparto: Frances McDormand,  Woody Harrelson,  Sam Rockwell,  Peter Dinklage, John Hawkes,  Abbie Cornish,  Caleb Landry Jones,  Samara Weaving,  kerry Condon, Nick Searcy,  Lucas Hedges,  Michael Aaron Milligan,  Lawrence Turner, Amanda Warren,  William J. Harrison,  Sandy Martin,  Christopher Berry,  Zeljko Ivanek

Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Blueprint Pictures. Distribuida por Fox Searchlight

Mildred es una mujer madura, independiente y con mucho carácter. La rabia le consume ante la falta de resolución sobre el crimen cometido contra su hija, que fue violada y brutalmente asesinada. En absoluto dispuesta a la pasividad y profundamente enfadada con el aparente desinterés del cuerpo de policía sobre el caso, buscará el modo de hacer visible la injusticia y evidenciar la situación, despertando así emociones encontradas entre sus vecinos y una cadena de inesperados acontecimientos.

Martin McDonagh (Siete Psicópatas, Escondidos en Brujas) es el responsable de la dirección y el guión de esta brillante película que ha rendido con su inteligente y ácida frescura a público y crítica allá por donde ha pasado. Ganar el premio del público en Toronto y San Sebastián no ha sido más que el comienzo de su carrera de reconocimienos, nominaciones, premios y galardones. Un éxito que, a nuestro parecer, es más que merecido.

Uno de sus puntos más fuerte es el gran trabajo del grupo de actores que pueblan esta atípica historia. Al frente de todos ellos, una Frances McDormand que borda una de las interpretaciones más potentes y memorables de su carrera, una mujer con un carisma indiscutible con la que la empatía es automática y que sabe transmitir cada matiz de su amplio abanico de emociones de manera eficiente y llamativa. A su lado, un grupo de secundarios de primera que enmarcan el relato, con unos Woody Harrelson y Sam Rockwell, entre otros muchos, brillantes.


La piedra angular, también culpable del éxito de la cinta, es el guión, obra del propio McDonagh. Su inteligente mezcla de tonos, que hila el drama más desgarrado con la comedia más negra y despiadada da un sabor al film único y acertado. La manera en la que dosifica los elementos del relato, el cómo dibuja los personajes, su evolución y, sobre todo, las relaciones entre ellos, es magistral. Este factor, unido a un gran montaje, hacen de la obra una delicia altamente disfrutable de principio a fin.

Todo ello, unido a una estupenda factura técnica, hacen de "Tres Anuncios En Las Afueras" una de las propuestas cinematográficas más potentes y carismáticas del año, una película con la que disfrutar y sufrir que llega a nuestra memoria cinéfila para quedarse. Muy recomendable.

Valoración:8/10
Trailer:

jueves, 4 de enero de 2018

Espectro - Alfonso Pineda Ulloa

Título original: Espectro

Año: 2013
Duración: 91 min.
País: México

Dirección: Alfonso Pineda Ulloa
Guión: Alfonso Pineda Ulloa (Guion original: Carlos Esteban Orozco, Juan Felipe Orozco)
Música: Erick Bongcam, Alejandro de Icaza, Dan Zlotnik
Fotografía: Marc Bellver

Reparto: Paz Vega,  Maya Zapata,  Alfonso Herrera,  Johanna Murillo,  Gala Montes, Marco Treviño,  Dana Karvelas,  Marco Treviño,  Antonio de la Vega, Arnulfo Reyes Sanchez

Productora: Itaca Films

Una mujer, vidente de profesión, sufre una agresión sexual que la destruye psicológicamente. Tras un tiempo en una institución psiquiátrica y haber desarrollado agorafobia, se traslada a un nuevo hogar donde empezar de cero. Allí, se verá atrapada en una ratonera de pesadilla, donde fenómenos extraños comenzarán a hacerle dudar si su propia cordura está rota o si, por el contrario, algo oscuro acecha entre los muros.

Alfonso Pineda Ulloa escribe y dirige esta película que toma prestada la idea de un film no muy anterior en el tiempo, de 2006, y de origen colombiano, "Al Final del Espectro" (puedes leer nuestra crítica de ella AQUÍ),  para realizar un absolutamente innecesario remake que, desgraciadamente, nada aporta.

El reparto del film, atractivo en un principio, capitaneado por Paz Vega y Alfonso Herrera (Sense8, El exorcista...etc) hace lo que puede para salvar sus creaciones, y de hecho son de lo más aceptable de un film que escaso lucimiento les permite.

Añadido a la previsibilidad de su desarrollo (factor de aplastante peso en contra del film cuando su fuerza se asienta en los necesariamente sorpresivos giros de su historia), el disfrute del mismo se ve lastrado por una labor de montaje confusa y caótica que marca un ritmo cacofónico en la narración intercalando tramos de tedio con otros de frenético sinsentido.

Si bien el espacio se utiliza con sabiduría, haciendo del piso de la protagonista asfixiante trampa sin salida, los recursos para llamar al miedo de la audiencia son muy poco destacables, utilizando factores mil veces vistos y ya manidos en el panorama del terror actual que además son tratados con escasa maestría visual.

En conclusión, estamos ante una película de inexplicable existencia al sólo repetir la fórmula de su predecesora y con bastante menos acierto que aquella. Para pasar el rato, pues no molesta demasiado, pero inmediatamente olvidar.

Enoch
Valoración:3/10
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miércoles, 3 de enero de 2018

Tonight She Comes - Matt Stuertz

Título original: Tonight She Comes

Año: 2016
Duración: 84 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Matt Stuertz
Guión: Matt Stuertz
Música: Wojciech Golczewski
Fotografía: Chris Benson

Reparto: Frankie Ray,  Adam Hartley,  Larissa White,  Nathan Eswine,  Dal Nicole, Brock Russell,  Jenna McDonald,  Cameisha Cotton

Productora: Lamplight Films / Twenty Eighteen Seventy-Six

Tras la desaparición de una joven, el destino reunirá con sus inciertos designios a dos amigas en una perdida cabaña del bosque y un joven cartero que  se verá atraído por ellas. Ajenos a todo, comenzará para el grupo una jornada donde el alcohol y el sexo serán protagonistas de un absoluto desenfreno. Sin embargo se verán interrumpidos por inesperadas visitas y la llegada de alguien que transformará la diversión en completo baño de sangre.

Matt Stuertz dirige y escribe esta película de terror que le ha abierto la puerta a diversos festivales de género en los que no ha terminado de calar, recibiendo frías críticas pese al absurdo y gore divertimento que esconde su propuesta.

"Tonight She Comes"  se intuía un proyecto serio y aterrador, pero nada más lejos del resultado obtenido. En el film encontraremos una galería de personajes a cuyas personalidades, acciones y diálogos cuesta dar crédito alguno por lo absurdo y antinatural de cada acción, reacción y palabra. Tanto la calidad de la interpretación de los actores, como lo que el guión les depara roza el ridículo a cada escena.

En cuanto a lo visual, la película tampoco resulta brillante,  no sabiendo crear atmósfera inquietante alguna, desaprovechando el entorno donde se desarrolla, tanto el exterior boscoso de la cabaña maldita, como su interior. Sus efectos visuales y sonoros resultan muy básicos y todo se arregla bañándolo todo de sangre como aderezo a cada paso hacia el surrealismo más inesperado.

En honor a la verdad, el visualizarla en compañía y poder comentar cada momento (WTF) alucinógeno que nos propone ante la falta de sentido y lógica de lo narrado, hace que gane enteros de entretenimiento por lo descabellado e inesperado de su desarrollo. Sin embargo y analizando su calidad cinematográfica, es una propuesta fallida de principio a fin carente de todo buen hacer. Es una experiencia, sí , pero no recomendable.

Enoch
Valoración:2/10
Trailer:

martes, 2 de enero de 2018

The Florida Project - Sean Baker

Título original: The Florida Project

Año: 2017
Duración: 115 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Sean Baker
Guión: Sean Baker, Chris Bergoch
Fotografía: Alexis Zabé

Reparto: Willem Dafoe,  Caleb Landry Jones,  Macon Blair,  Sandy Kane,  Karren Karagulian, Lauren O'Quinn,  Brooklynn Prince,  Giovanni Rodriguez,  Bria Vinaite,  Carl Bradfield, Betty Jeune,  Cecilia Quinan,  Valeria Cotto,  Andrew Romano,  Samantha Parisi, Gary B. Gross

Productora: Cre Film / Freestyle Picture Company / June Pictures. Distribuida por A24

"The Florida Project" nos lleva a las afueras de los parques temáticos de Disney, los suburbios plagados de coloristas moteles donde el sueño de fantasía, pese a lo cercano, brilla por su ausencia. Entre sus paredes, seres marginales luchan por salir adelante, avanzar día a día. Ente ellos conoceremos a un grupo de niños, cuyas aventuras en un entorno mísero llamarán a nuestra ternura mientras vivimos con ellos, y los luchadores adultos que los rodean, un verano para el recuerdo.

Sean Baker escribe y dirige esta película atípica y atrevida, presentada con éxito en el Festival de Cannes y la Sección de Perlas del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, primeros pasos de una carrera meteórica de nominaciones, galardones y reconocimientos de una industria rendida ante el encanto de la propuesta.

El film de Baker nos adentra en un mundo más allá de la eterna sonrisa y el brillo del afamado destino turístico, cuna de los sueños, que es Disneyworld. Muy sabio es en hacernos caminar en la frontera del paraíso feliz con los suburbios, sabiendo transmitir la clara amargura, que tiñe toda su historia y envenena a sus personajes con el dolor de tener tan cerca la perfección y no poder salir de la mediocridad.

Pese a lo descastado de los habitantes de esta historia, de este motel, lo gris de sus vidas rotas, la película dispone de una paleta de color tan fuerte y sugestiva que no deja de recordarnos la esperanza subyacente tras el fracaso, la inagotable capacidad del ser humano para seguir soñando.

Muy a destacar encuentro lo sabio de la labor de casting realizada para el film. Todo el elenco, sobre todo los niños, dotan de tal verdad a sus personajes que logran hacerlos de pura carne y hueso, tanto que a tramos sentiremos incluso hallarnos ante un documental más allá de la ficción. Entre todos ellos quisiera destacar la impecable labor de Willem Dafoe que realiza uno de los papeles más memorables de su carrera, a mi entender.

Con todo ello, nos hallamos ante una propuesta distinta, carismática y potente, una película en la que dejarse llevar, ora siendo voyeurs de las vidas de los inquilinos de estos moteles decadentes, ora transformándonos de nuevo en niños acompañando a los infantes, ajenos a la miseria, en sus sueños y travesuras.  Muy interesante.

Valoración: 7/10
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