martes, 31 de enero de 2017

Sully -Clint Eastwood

Título original: Sully

Año: 2016
Duración: 96 min.
País: Estados Unidos

Director: Clint Eastwood
Guión: Todd Komarnicki (Libro: Chelsey Sullenberg, Jeffrey Zaslow)
Música: Christian Jacob, Tierney Sutton Band
Fotografía: Tom Stern

Reparto: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Anna Gunn, Autumn Reeser, Sam Huntington, Jerry Ferrara, Jeff Kober, Chris Bauer, Holt McCallany, Carla Shinall, Lynn Marocola, Max Adler, Valerie Mahaffey, Ashley Austin Morris, Michael Rapaport

Productora: Warner Bros. Pictures / Village Roadshow / Malpaso / Flashlight Films

La película nos narra la historia real, acontecida en 2009, de un avión que, a los pocos minutos de su despegue, sufre un incidente que amenaza con derribarlo y acabar con la vida de la tripulación y los 155 pasajeros. La templanza de su piloto, sin embargo, salvó a la aeronave de la tragedia al lograr que amerizara en el río Hudson salvando, contra todo pronóstico, la vida de la integridad de sus ocupantes.

Clint Eastwood echa la vista atrás en el tiempo para, apoyándose en un acontecimiento sobradamente conocido y aún no perdido en la memoria, reflexionar sobre diversos temas de actualidad e interés. El director recrea la historia sin sensacionalismos, alejado del emocional esquema al uso de una película de catástrofes, para, sin resultar tampoco fría, acercarnos a los personajes y sus particulares historias.

Gran peso de la película recae sobre su estrela protagonista, Tom Hanks, que salda el papel con soltura y credibilidad, aunque sin excesiva pasión.

Pero si un mérito le concedo sobre todos los demás a esta producción es como Eastwood ha conseguido transformar una tragedia, que en la realidad duró poco más de unos minutos y  cuyo desenlace es sobradamente conocido, en un relato de hora y media de duración sin dilatarla de forma tediosa, sino manteniendo con cada ingrediente el interés hasta el final.

Con todo ello, estamos ante una obra digna, que si bien no se encuentra entre las mejores realizadas por su director, si que resulta de agradable visionado. Interesante.

Enoch
Valoración:6/10
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lunes, 30 de enero de 2017

Figuras Ocultas - Theodore Melfi

Título original: Hidden Figures

Año: 2016
Duración: 127 min.
País: Estados Unidos

Director: Theodore Melfi
Guión: Allison Schroeder (Libro: Margot Lee Shetterly)
Música: Benjamin Wallfisch, Pharrell Williams, Hans Zimmer
Fotografía: Mandy Walker

Reparto: Taraji P. Henson, Octavia Spencer, Janelle Monáe, Kevin Costner, Jim Parsons, Mahershala Ali, Kirsten Dunst, Glen Powell, Rhoda Griffis, Ariana Neal, Maria Howell, Alkoya Brunson, Jaiden Kaine, Wilbur Fitzgerald, Saniyya Sidney, Bob Jennings, Lidya Jewett, Ron Clinton Smith

Productora: Fox 2000 Pictures

"Figuras Ocultas" nos traslada a los años sesenta, a una América donde todos los ojos reposaban sobre la carrera espacial mientras el conflicto racial subyacente continuaba latiendo en la batalla por los derechos civiles de los afroamericanos. En este contexto nos adentraremos en la NASA donde conoceremos a tres mujeres de color, auténticos genios de las matemáticas, que habrán de luchar contra todos y todo para hacerse el hueco que merecen y reclamar su papel dentro de un momento histórico irrepetible.

"Hidden Figures" se asienta sobre dos pilares de calidad. El primero de ellos es el indiscutible buen hacer de su elenco, tanto el trío femenino protagonista que borda sus potentes papeles y personajes, como el abanico de conocidos secundarios que las rodean, todos ellos crean un grupo sólido y creíble que sabe trasmitir con sus creaciones. En segundo lugar, el guión de Allison Schroeder, que sabe tejer a la perfección todas las subtramas en un todo que entretiene, atrapa, indigna y emociona sin tirar de la lágrima fácil, logrando reivindicar la injusticia racial de una manera sutil pero bien efectiva.

A su favor encontramos también la estupenda ambientación recreando una época con absoluta eficiencia y verosimilitud y un montaje que hace de su extensa duración un suspiro manteniendo un ritmo y pulso ágiles y capturadores de atención.

En su contra quizás juega la sensación de que no aporta nada nuevo al panorama cinematográfico, que todo es correcto y de calidad, pero nada destaca demasiado. Sus numerosas nominaciones a diversos premios incluso llevan al pensamiento de qué es lo que se está reconociendo, si el tema que bien reivindica o la labor cinematográfica de la película concreta, eterno debate.

De cualquiera de las maneras, es una película bien ejecutada e interpretada, buen cine para pasar un buen rato echando una necesaria mirada al pasado.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

domingo, 29 de enero de 2017

Inferno - Ron Howard

Título original: Inferno

Año: 2016
Duración: 121 min.
País: Estados Unidos

Director: Ron Howard
Guión: David Koepp (Novela: Dan Brown)
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Salvatore Totino

Reparto: Tom Hanks, Felicity Jones, Ben Foster, Irrfan Khan, Omar Sy, Sidse Babett Knudsen, Ana Ularu, Jon Donahue, Cesare Cremonini, Xavier Laurent, Fausto Maria Sciarappa, Juan Ignacio Pita

Productora: Imagine Entertainment

Robert Langdom, el erudito profesor de simbología, despierta amnésico en un hospital italiano. La doctora que le atiende tratará de ayudarle a recuperar sus recuerdos, y a medida que estos florecen y el profesor es perseguido por distintas organizaciones, descubrirán juntos un apocalíptico plan ligado al mismo Dante y los cimientos del infierno para destruir la humanidad.

Ron Howard retoma la obra de Dan Brown para adaptar otro de sus best-sellers, tras "El Código Da Vinci" y "Ángeles y Demonios" a la gran pantalla en una nueva aventura llena de acción e intrincados enigmas por resolver.

"Inferno" tiene sus pros y sus contras. En cuanto a la narrativa, a estas alturas no queda ya sorpresa alguna en los giros y recursos de la historia, que fluye con buen ritmo y entretiene, pero roza lo previsible y nada nuevo aporta al esquema de sus predecesoras. Atendiendo al factor interpretativo, "Inferno" resulta bastante floja, con un Tom Hanks que ni parece creerse el personaje ni tener voluntad de imprimirle carisma alguno. Su compañera, Felicity Jones, si bien no firma el mejor papel de su carrera, sobrepasa de largo la calidad de trabajo de su compañero.

Es en lo visual y técnico donde "Inferno" resulta más brillante, regalando al espectador un agradable viaje por hermosas ciudades y emblemáticos monumentos, fotografiados con maestría y recorridos desde novedosas perspectivas que capturan el interés del espectador viajero, un gusto para le retina.

Con todo ello la película de Ron Howard se erige como un producto de agradable consumo e inmediato olvido, técnicamente bien realizada, amena y entretenida, pero discretamente interpretada y sin sorpresa alguna. Para pasar el rato.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

sábado, 28 de enero de 2017

Passengers - Morten Tyldum

Título original: Passengers

Año: 2016
Duración: 116 min.
País: Estados Unidos

Director: Morten Tyldum
Guión: Jon Spaihts
Música: Thomas Newman
Fotografía: Rodrigo Prieto

Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García, Julee Cerda, Kara Flowers

Productora: Columbia Pictures / Lstar Capital / Village Roadshow Pictures / Original Film / Company Films / Start Motion Pictures

Una nave espacial surca el infinito hacia su destino, en un viaje hacia un planeta donde establecer una nueva colonia humana. En su interior, miles de personas duermen, suspendidas en hibernación, hasta que un inesperado accidente querrá que una de las cápsulas se desactive y despierte así uno de los tripulantes cuando aún al viaje le queda un siglo por delante.

Morten Tyldum (Headhunters, The Imitation Game) dirige esta película, un relato a caballo entre un thriller de ciencia ficción espacial y un romance clásico, con altas dotes de espectáculo visual y unas gotas de comedia. Un cocktail no apto para todos los gustos, pero que apunta directo al centro de la diana del entretenimiento.

El punto más flaco de la película reside en el guión de Jon Spaihts. Por una parte y para poder disfrutar de su propuesta, obliga al espectador a abstraerse de lo inverosímil de muchas de las situaciones presentadas y la reacción de sus protagonistas. Por otra, plantea una galería de aspectos filosóficos, éticos y morales dignos de haber profundizado en ellos, pero que son meramente planteados, para que sea el espectador, y no la película, quien los analice. Con ello se aleja, por voluntad propia, de poder haber sido una obra de ciencia ficción seria o sesuda (como fueron, por ejemplo, "Gravity" o "La Llegada") para erigirse como una propuesta más lúdica apuntando al entretenimiento, el deleite visual y la emoción.

En cuanto a sus virtudes, encuentro muy acertada la labor del casting, poniendo al frente del reparto a Jennifer Lawrence y Chris Pratt, una pareja atractiva, carismática y que logra una estupenda química entre ellos. Agradable elección me parece también la de Michael Sheen para encarnar el androide, compañero y confesor tras la barra del bar, una interesante creación.

Pero si algo es espectacular en "Passengers" es su vertiente técnica: Los efectos visuales (con alguna escena, como la de la piscina, que corta el aliento), la banda sonora de Thomas Newman, y, sobre todas las cosas, un diseño de producción absolutamente impresionante que nos regala no sólo una nave impecable, sino una ambientación de sus espacios brutal (con más de una referencia cinematográfica deliciosa). Con todo ello, la atmósfera en la que se mueven los protagonistas de esta historia es estupenda, creativa, lujosa y deslumbrante.

En conclusión, "Passengers" es una aventura espacial con romance incluido a la que enfrentarse despojados de toda pretensión y expectativa, dejándose llevar por sus emociones, sorprender por sus regalos visuales y sin tratar de buscar nada más allá del divertimento y entretenimiento cinematográfico. No es una obra magna de la ciencia ficción, pero sí estupendo cine palomitero de primera.

Enoch
Valoración:7/10
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viernes, 27 de enero de 2017

Marcella - Charles Martin, Jonathan Teplitzky, Henrik Georgsson

Título original: Marcella (TV Series)

Año: 2016
País: Reino Unido

Director: Charles Martin, Jonathan Teplitzky, Henrik Georgsson: Guión
Marston Bloom, Hans Rosenfeldt
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Urszula Pontikos

Reparto: Anna Friel, Nicholas Pinnock, Ray Panthaki, Sinéad Cusack, Nina Sosanya, Harry Lloyd, Charlie Covell, Jack Doolan, Tobias Santelmann

Productora: Buccaneer Media

Marcella es una detective que se retiró del cuerpo de policía tras un traumático caso sobre el que trabajó para centrarse así en su familia. En el presente, verá cómo todo lo que ha construido se desmorona al descubrir la infidelidad de su marido. Para volver a centrarse no dudará en reincorporarse al trabajo, más aún cuando unos nuevos asesinatos aterrorizan la ciudad y recuerdan demasiado a aquellos sobre los que tan intensamente trabajó en el pasado...

"Marcella" nos plantea una interesante e inmersiva historia policial sobre la investigación de unos asesinatos con gran pulso y ritmo. Sin embargo, lo que la eleva por encima de la media es el interesantísimo dibujo de personajes y de las relaciones entre ellos, sobre todo, de su protagonista, una mujer tan golpeada por la vida y perdida dentro de su propia rabia y confusión, que fascina en su oscuridad.

Este hecho hace que viajemos por la investigación, de la mano de una detective que no sólo conoce el caso del pasado, sino también el del presente, y ejerce no sólo de investigadora, sino también de principal sospechosa para la audiencia dados los hechos que presenta y en los que, de alguna forma, está involucrada.

Clave es la estupenda labor de Anna Friel encarnando a la protagonista, "Marcella", y el buen hacer británico para este tipo de narrativas capaces de mantener el suspense de principio a fin. Quizá es en su último tramo donde pierde un poco de fuelle y capacidad de sorpresa, además de tener alguna laguna argumental, pero su buena factura técnica e interpretativa hace que no se le confiera demasiada importancia.

Una serie interesante y entretenida para perderse en el puzzle por resolver de unos asesinatos y en el laberinto de la mente de su protagonista. Agradable.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

jueves, 26 de enero de 2017

Paraíso Perdido - Humberto Hinojosa Ozcariz

Título original: Paraíso perdido

Año: 2016
Duración: 87 min.
País: México

Director: Humberto Hinojosa Ozcariz
Guión: Anton Goenechea, Humberto Hinojosa Ozcariz
Música: Rodrigo Dávila
Fotografía: Guillermo Garza Morales

Reparto: Ana Claudia Talancón, Iván Sánchez, Andrés Almeida, Raúl Briones

Productora: Tigre Pictures / Filmadora Nacional

Tres personas navegan despreocupadamente en un viaje de placer dejándose seducir por aguas cristalinas e islas paradisíacas. Pero la decisión de acercarse a una de ellas y explorarla será la peor de sus vidas. Allí, además de arenas blancas y hermosos parajes, encontrarán amenazas que harán de sus vidas una carrera por la supervivencia.

Humberto Hinojosa escribe y dirige este thriller que arranca prometedor, con una escena inicial que sabe colocar el ánimo de la audiencia en un puño, expectante, una historia que comienza a desarrollarse sin mucha originalidad, pero de forma sólida en su presentación de personajes, localizaciones e historia, para luego naufragar en el tedio.

La vertiente técnica del film, su puesta en escena, fotografía y demás recursos no lastran el producto, al contrario, ni tampoco la labor de sus intérpretes principales, aceptables en su labor de víctimas de una inesperada amenaza (que no tanto los secundarios). Es el guión de la película quien consigue hundirla al cometer uno de los peores fallos como es transmitir la sensación de ir de más a menos, e ir perdiendo el interés a medida que va descubriendo sus incógnitas y con él el poco entretenimiento conseguido hasta el momento para, a su conclusión, ser lanzada la narración al olvido del cinéfilo.

Una propuesta bien presentada pero muy desaprovechada en su fallido desarrollo, una pérdida de tiempo y recursos.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

miércoles, 25 de enero de 2017

Somnia Dentro de tus Sueños - Mike Flanagan

Título original: Before I Wake - Somnia

Año: 2016
Duración: 97 min.
País: Estados Unidos

Director: Mike Flanagan
Guión: Mike Flanagan, Jeff Howard
Música: Danny Elfman, The Newton Brothers
Fotografía: Michael Fimognari

Reparto: Kate Bosworth, Thomas Jane, Jacob Tremblay, Annabeth Gish, Dash Mihok, Scottie Thompson, Jay Karnes, Kyla Deaver, Lance E. Nichols, Courtney Bell, Justin Gordon, Ginger McNamara

Productora: Intrepid Pictures / Demarest Films / MICA Entertainment

Cody es un niño especial, triste y huérfano. Su necesidad de cariño pronto será paliada al ser adoptado por unos padres aún dolientes por la pérdida de su hijo. Su nueva vida en común será una perfecta conjunción de emociones, pero hay algo con lo que no contaban, pronto descubrirán cómo cuando los ojos de Cody se cierran y comienzan sus sueños, estos se manifiestan de forma física en la realidad, y lo hermoso de esta sobrenatural cualidad se tambaleará cuando el lado más oscuro del mundo onírico, las pesadillas, traspasen el espejo...

Mike Flanagan, el prolífico y exitoso director de cintas de terror contemporáneas tan claves como Absentia, Ouija El Origen u Oculus, reafirma con esta película su buen hacer cinematográfico y su notable galería de recursos tanto como narrador, como creador de atmósferas.

"Somnia", para que nadie se lleve a error, se desmarca de la senda terrorífica seguida por el director para caminar por un terreno, aunque inquietante, más regentado por el cine fantástico. En él, y a través del infinito de posibilidades que abre el mundo de los sueños y las pesadillas, descubriremos, entre el escalofrío y la emoción, el subconsciente, los deseos y miedos de una familia en la que, cada uno, tiene arraigadas y profundas heridas, infligidas por la pérdida.

El elenco del film realiza un más que digno trabajo sabiendo dibujar la imprescindible intensidad emocional de sus personajes en pantalla, pero es el más pequeño de ellos, Jacob Tremblay (el niño catapultado a la fama internacional por su labor en "La Habitación") quien captura toda la atención y cuyo trabajo resulta más atractivo.

La buena narrativa y correctas interpretaciones se aderezan con una fantástica creación de atmósferas que, sin recurrir a efectismos demasiado llamativos, pero sí muy solventes, sabe mezclar realidad con fantasía, sueño con realidad, y hacer caminar a la audiencia por la delgada línea del duermevela donde todo tiene algo de pesadilla, algo de tangible verdad.

Una propuesta diferente e interesante que consigue no sólo interesar y entretener sino que continúa asentando los firmes cimientos de la carrera de Flanagan como un director de cine, ya no sólo de terror, a tener en cuenta.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

martes, 24 de enero de 2017

La Luz Entre los Océanos - Derek Cianfrance

Título original: The Light Between Oceans

Año: 2016
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos

Director: Derek Cianfrance
Guión: Derek Cianfrance (Novela: M.L. Stedman)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Adam Arkapaw

Reparto: Michael Fassbender, Alicia Vikander, Rachel Weisz, Bryan Brown, Anthony Hayes, Caren Pistorius, Leon Ford, Benedict Hardie, Florence Clery

Productora: Coproducción EEUU-Reino Unido-Nueva Zelanda; DreamWorks SKG / Heyday Films / Participant Media

Corren los años veinte, un veterano de guerra, hastiado de un mundo lleno de crueldad decide retirarse a trabajar al cuidado de un faro en una solitaria, inhóspita y desierta isla australiana. Pero querrá el destino cruzar en su viaje a una mujer de la que quedará inexorablemente prendado y con la que inevitablemente tejerá una nueva vida, lejos de todo y de todos. Pero lo que parecía una sonrisa de los hados, no tardará en teñirse de tragedia. La pareja entonces habrá de tomar drásticas decisiones frente a los acontecimientos,  y pondrá su devorador amor por encima de todo... a riesgo de que, en su furia, arrase todo lo que han construído.

Derek Cianfrance, director de la aclamada "Blue Valantine" y "Cruce de caminos" adapta a la gran pantalla el best seller internacional de M.L.Stedman, trasladando al celuloide un melodrama de extremas emociones.

Tres pilares sostienen el desarrollo de esta historia de amor y dolor, tres actores que de nuevo rubrican un trabajo impecable, que conecta de forma instantánea con el espectador y sus emociones, dando vida a tres personajes creíbles y fieramente humanos. Hablamos de Michael Fassbender y Alicia Vikander, inmensos en la creación de la inolvidable pareja protagonista, y una estupenda Rachel Weisz a subrayar de entre el abanico de secundarios por la intensidad que sabe aportar a su breve intervención.

De extrema belleza resulta el trabajo de fotografía que envuelve a todo el film, retratos de hermosa y cálida postal en los que naturaleza brilla en todo su esplendor, en toda su salvaje fuerza... Pero no lo hace sola, sino en perfecta sinfonía de emociones que teje con el omnipresente mar, el ensordecedor viento que todo lo araña y acaricia, y las dulces notas de una brillante partitura compuesta por Alexandre Desplat para la película, una delicia musical que si bien apela a las emociones, no las manipula ni las fuerza.

Quizás en su contra juegue un ritmo un tanto mejorable, que no ahonda en ciertos aspectos de su relato que hubieran perfeccionado su profundo corte dramático y se dilata en otros de utilidad preciosista pero no tanto narrativa.

No obstante y pese a sus debilidades, "La luz entre los océanos" es un viaje al drama de corte más clásico digno de realizar. Tanto por lo delicioso de su factura visual, musical, y aspectos técnicos en general, como por el trabajo actoral digno de quitarse el sombrero. La película tiene ese pulso gélido que bien recuerda al cine de nórdicas latitudes, pero con un latir de emociones digno del melodrama del Hollywood de otros tiempos... no apta para todos los paladares, ni perfecta, pero para mi, una melancólica delicia cinematográfica.

Enoch
Valoración:8/10
Trailer:

lunes, 23 de enero de 2017

The Hive - David Yarovesky

Título original: The Hive

Año: 2015
Duración: 93 min.
País: Estados Unidos

Director: David Yarovesky
Guión: Will Honley, David Yarovesky
Música: Anthony B. Willis
Fotografía: Michael Dallatorre

Reparto: Gabriel Basso, Talitha Bateman, Stephen Blackehart, Mary Elizabeth Boylan, Mike Escamilla, Velinda Godfrey, Alexandra Grossi, Todd Christian Hunter, Ethan Krimsky, Madelaine Petsch, Kathryn Prescott, Aurelia Scheppers, Brekkan Spens, Julia Tilden, Gabrielle Walsh, Jacob Zachar

Productora: Midnight Road Entertainment

Un joven despierta en una habitación destrozada, cubierto de costras y sangre seca, con la memoria vacía al respecto de cómo ha llegado a tal situación. Poco a poco y con el mayor de sus esfuerzos habrá de reconstruir, con los elementos que le rodean, un viaje mental hacia atrás que le revele las claves de lo acontecido antes de que la ponzoña que le cubre y rodea acabe con su vida y con la de aquellos que aprecia y ama.

David Yavorevsky dirige esta película que navega entre el terror y la ciencia ficción,  aplicando a ambos géneros el filtro adolescente tanto en sus protagonistas y narrativa como al público objetivo al que va dirigida.

En su favor juega la sórdida atmósfera que consigue crear, venenosa suciedad y sangrante mugre cubren tanto a sus personajes como los ambientes en que se mueven, consiguiendo así la repulsa y claustrofobia del espectador.

De doble filo es el frenetismo de su puesta en escena y relato, que peca incluso de destapar sus cartas demasiado pronto mermando de esta forma el interés de la cinta, así como desaprovecha diversas situaciones y roles que quedan apenas dibujados sin profundidad alguna. Por contra, dota a a la película de un notable ritmo que si bien no es magistral, sí contribuye al entretenimiento.

Por su parte, el elenco protagonista, los habitantes de esta "colmena" no dan mucho de sí, con unas interpretaciones bastante insulsas e inmediatamente olvidables que no regalan a sus personajes plus alguno de interés.

Pese a todas sus debilidades, "The Hive" resulta una película aceptable para pasar el rato dejándonos arrastrar por su juego narrativo al más puro estilo "memento" (aunque a años luz de los resultados de aquella, claro está) sin pedirle demasiado.

Enoch
Valoración:5/10
Trailer:

miércoles, 18 de enero de 2017

Tenemos la Carne - Emiliano Rocha Minter

Título original: Tenemos la carne

Año: 2016
Duración: 80 min.
País: México

Director: Emiliano Rocha Minter
Guión: Emiliano Rocha Minter
Música: Esteban Aldrete
Fotografía: Yollótl Alvarado

Reparto: Noé Hernández, María Evoli, Diego Gamaliel, Gabino Rodríguez, María Cid

Productora: Coproducción México-Francia; Piano / Detalle Films / Sedna Films / Estudios Splendor Omnia / Simplemente

Año indeterminado, edificios en ruinas constituyen un sinnúmero de estancias vacías de cemento y desechos probablemente pertenecientes a sus antiguos habitantes. Dos adolescentes buscan alimento entre los estercoleros de las habitaciones, pero por la dificultad de encontrar cualquier comestible tienen que realizar una alianza con un hombre que parece tener sus recursos para arreglárselas. El precio será convivir con él y navegar por sus extraños delirios.

El primer largometraje del director mexicano Emiliano Rocha Minter es un festival de violencia degradada, decorados fuertemente vaginales y parafilias entre la basura. Interpreto que ha querido mostrar un viaje simbólico por la inmundicia del ser humano, aunque no me importaría conocer más opiniones al respecto por si se me escapa algo.

Es digna de mención la fantástica interpretación de Noé Hernández, el protagonista curtido, aunque cuando está enmarcada en pis, mierda y una sucesión de escenas que poca importancia tienen incluso a nivel simbólico resulta harto difícil apreciarla en toda su bondad.

Estoy segura de que habrá público para esta propuesta simbólica de arte y ensayo con aspiraciones a algo así como La Montaña Sagrada de Jodorowsky, tal vez en más abundancia entre el público amante del teatro pulsional.

Pero, por supuesto, hay gente para todo y debe haber cine para todos. Esta no es para mí.

Pau.
Valoración:2/10
Trailer:

martes, 17 de enero de 2017

31 - Rob Zombie

Título original: 31

Año: 2016
Duración: 102 min.
País: Estados Unidos

Director: Rob Zombie
Guión: Rob Zombie
Música: John 5
Fotografía: David Daniel

Reparto: Elizabeth Daily, Malcolm McDowell, Torsten Voges, Daniel Roebuck, Sheri Moon Zombie, Meg Foster, Lawrence Hilton-Jacobs, Devin Sidell, Judy Geeson, Ginger Lynn, David Ury, Esperanza America

Productora: Bow and Arrow Entertainment / Protagonist Pictures / Spectacle Entertainment

Cinco feriantes van despreocupadamente de viaje y en una de sus paradas van a caer entre las manos de unos maquiavélicos personajes. Estos, aburridos de su existencia y sin otro pasatiempo que crear un laberinto de acero, rejas y psicópatas, ponen a prueba a los incautos viajeros que pasan de tanto en tanto por aquél rincón del desierto.

Conseguir sobrevivir 12 horas en ese infierno de motosierras y payasos chalados sería un verdadero milagro, pero esta es la única condición del juego para poder salir por la puerta vivos.

Rob Zombie se mantiene fiel a su público ofreciendo otra muestra de personajes circenses podridos -en cuerpo y alma- en un baile macabro de sangre y muerte. Se sirve para ello de un reparto que saca lo mejor de su particular mundo, entre los que cabe destacar a su mujer Sheri Moon Zombie y Jeff Daniel Phillips, habituales del director, y mitos del cine más o menos elevado como Meg Fóster (Están Vivos,Masters del Universo), Malcom McDowell (La Naranja Mecánica) y un enorme Richard Brake dando vida al mejor de los psicópatas, monólogo sádico-transcendental incluido.

La fotografía es técnicamente reseñable, aunque el contenido no se sale de los cánones estéticos de sobra conocidos en su filmografía, y a esto le añade una banda sonora apetecible que hacen de la cinta pasable, pero poco sorprendente.

Recomendable para mitómanos de Rob Zombie y de lo desagradable.

Pau.
Valoración: 5/10
Trailer:

lunes, 16 de enero de 2017

Crush The Skull - Viet Nguyen

Título original: Crush the Skull

Año: 2015
Duración: 80 min.
País: Estados Unidos

Director: Viet Nguyen
Guión: Chris Dinh, Viet Nguyen
Música: David Frank Long
Fotografía: Tuan Quoc Le, John Nguyen

Reparto: Walter Michael Bost, Tim Chiou, Chris Dinh, Michelle Grondine, Lincoln Hoppe, Nathan Moore, Katrina Nelson, Justin Ray, Lauren Reeder, Chris Riedell, Katie Savoy

Una pareja de atracadores decide cambiar de modus vivendi, pero antes de ello, organizarán un último golpe en colaboración con otros ladrones.
Todo parece bajo control y bien organizado para el asalto de una casa apartada y prometedora de esconder buenas recompensas. Mas nada es lo que parece, el lugar que asaltan guarda oscuros secretos y temibles peligros, con lo que el principal anhelo de los ladrones girará de la avaricia a la batalla por salvar la propia vida.

Viet Nguyen dirige esta película que partiendo de un formato de narrativa ligado al "home invasion" trata de sorprendernos, sin mucho éxito, con diversos giros de un guión de Chris Dinh y el propio Nguyen

El film fluye argumentalmente con bastante ritmo, y se nutre su relato de las más diversas situaciones que huyen de la monotonía de recursos de este tipo de películas. Sin embargo, este arma narrativa se vuelve un poco en su contra al, a tramos, parece una concatenación de elementos ya vistos en otras propuestas cinematográficas previas sin llegar nunca a aportar un hilo conductor propio con el suficiente carisma y personalidad.

Mejorable encuentro también el trabajo de su elenco de actores principales, que si bien el guión los dibuja con bastante habilidad, luego no resultan encarnados con la suficiente credibilidad como para generar simpatía, empatía o verdad alguna.

Irregular es también el resultado conseguido con la inclusión de un cierto tono humorístico subyacente en todo el relato, no acaba de arriesgar ni funcionar, habría sido preferible que se lanzara o bien a buscar la carcajada, o permanecer en el terreno serio, el punto medio no termina de encajar.

Aún y con todas sus debilidades, "Crush de Skull" es una película que, aunque un tanto insustancial y rápidamente olvidable, nos permite pasar un buen rato de entretenimiento ligero sin tener que activar el cerebro en demasía. Floja pero pasable.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

domingo, 15 de enero de 2017

Clinical - Alistair Legrand

Título original: Clinical

Año: 2017
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos

Director: Alistair Legrand
Guión: Luke Harvis, Alistair Legrand
Música: Ian Hultquist
Fotografía: John Frost
Reparto: Vinessa Shaw, William Atherton, Aaron Stanford, Wilmer Calderon

Productora: Campfire

Una psiquiatra es víctima de una traumática situación al sufrir un violento y sangriento ataque por una de sus pacientes. Tras ello se retira a su hogar, cambia su estilo de trabajo, recibiendo casos menos conflictivos, asiste a terapia y se medica, todo ello en pos de regresar a la normalidad. Pero con el paso del tiempo, los fantasmas del pasado regresan y la paz le estará vetada ante una galería de inesperados acontecimientos.

Alistair Legrand, director que conocemos por la discreta "The Diabolical" vuelve a la carga con un proyecto que pretende buscar la inquietud y escalofrío del espectador. En esta ocasión, y con el que aquí escribe, lo que logró fue el absoluto bostezo.

"Clinical" se tambalea por diversos factores. En primer lugar, su elenco protagonista, para vivir situaciones tan extremas como viven, y, sobre todo, tan dramáticas, resulta de un inexpresivo que nada transmite a la audiencia, logrando un nivel de empatía nulo con sus desgracias. Por otra parte, su línea narrativa es tan redundante y pausada en su ritmo, que para cuando comienzan a despegar un poco los hechos, el aburrimiento ya es notable.

En su contra juega también la escasa frescura y originalidad de los giros con los que su torpe guión intenta sorprendernos, todo se siente en esta historia manido, previsible y mil veces visto (y lamentablemente, mejor contado en otras cintas).

En conclusión, estamos ante una propuesta que si bien podía parecer atractiva, tan interesante como puede ser asomarse al lado oscuro de la mente humana, resulta una notable decepción que poco tiene de buen cine y resulta escasa incluso para el mero entretenimiento. Fallida.

Enoch
Valoración:3/10
Trailer:

sábado, 14 de enero de 2017

The 9th Life of Louis Drax - Alexandre Aja

Título original: The 9th Life of Louis Drax

Año: 2016
Duración: 108 min.
País: Estados Unidos

Director: Alexandre Aja
Guión: Max Minghella (Novela: Liz Jensen)
Música: Patrick Watson
Fotografía: Maxime Alexandre

Reparto: Jamie Dornan, Sarah Gadon, Aaron Paul, Aiden Longworth, Barbara Hershey, Molly Parker, Oliver Platt, Terry Chen, Anjali Jay, Lina Roessler, Luke Camilleri

Productora: Coproducción EEUU-GB-Canadá; Lionsgate / Summit Entertainment / Antcolony Films / Brightlight Pictures

Louis es un niño especial que, en su aún corta vida, ha concatenado accidentes en los que milagrosamente se ha salvado. Pero el último de ellos consigue postrarle en el hospital, en coma. Allí, su doctor tratará de adentrarse en su mente y tratar de desenredar los misterios de una vida extraña donde el umbral de la realidad con lo sobrenatural parece demasiado fina.

Alexandre Aja, el que fuera renombrado director dentro del género de terror, con hitos en su carrera como "Alta Tensión" o el remake de "Las Colinas Tienen Ojos", firma esta película en la que su lenguaje visual y narrativo está totalmente cambiado careciendo de intensidad alguna.

Si bien la historia de "La Novena Vida de Louis Drax" se plantea interesante, con sus recovecos, giros y sorpresas, el tono con el que está narrada es tan confuso, que de tanto como descoloca, no apasiona. Con ello me refiero  que el film aúna tal cantidad de géneros que se siente perdido y desorientado. Tan pronto nos encontramos ante un drama familiar, como busca la comedia con tintes fantásticos, como flirtea con el thriller y el terror... estilos bien dispares que no están bien hilados entre ellos, sacándonos del disfrute del film.

Técnicamente la película es correcta, con una interesante fotografía y cuidado a todo lo visual, con especial atención a las escenas donde se impone un cierto realismo mágico. Igualmente su elenco se esfuerza por generar unos personajes aceptables, pero no logran nada que trascienda más allá de la pantalla gracias a un guión discreto y a unas interpretaciones que lo son aún más.

En conclusión, una película con una buena base, que entretiene con sus misterios, pero resulta fallida en sus formas narrativas, sin pulso alguno, logrando un producto para pasar el rato y lanzar automáticamente al olvido.

Enoch
Valoración:4/10
Trailer:

jueves, 12 de enero de 2017

Most Likely to Die - Anthony DiBlasi

Título original: Most Likely to Die

Año: 2015
Duración: 81 min.
País: Estados Unidos

Director: Anthony DiBlasi
Guión: Laura Brennan
Música: Adam Barber
Fotografía: Timothy A. Burton

Reparto: Heather Morris, Jake Busey, Tatum Miranda, Ryan Doom, Perez Hilton

Productora: Snowfall Films

Han pasado los años, pero los tiempos de locuras de juventud no se olvidan. Los que fueron compañeros de estudiantiles correrías se reúnen en la casa de uno de ellos. Esperan divertirse, recordar el pasado y disfrutar...
Como cabe esperar aún hay rencillas, envidias y rencores latentes, pero lo que ninguno podía augurar es que además de ello, su reencuentro atraería un fantasma del ayer dispuesto a acabar con las vidas de todos ellos, uno a uno.

Anthony Diblasi, quien se postulara como un interesante director de terroríficas películas, como Dread o Last Shift, pega con este slasher un sonoro patinazo que le hace perder credibilidad y enteros entre sus seguidores.

"Most Likely To Die" parte de una premisa argumental agotada hasta la extenuación, y no sabe jugar con ello, pretendiendo aún sorprendernos en un desarrollo donde cada giro resulta previsible y cada revelación no despierta interés ni divertimento alguno.

Ni la atmósfera creada, en absoluto asfixiante ni inquietante (sino más bien inverosímil), ni el trabajo realizado por su "discreto" elenco de actores tratando de insuflar vida en unos personajes de cartón-piedra forjados de puro cliché, logra que la película se mantenga a flote, víctima de una calidad técnica discutible y un guión lleno de agujeros e insípidos tópicos.

Si bien no resulta un film de calidad, en honor a la verdad tampoco aburre demasiado y resulta aceptable para visionar entre amigos sin prestarle demasiada atención y menos tratar de razonar o creer lo que nos muestra en pantalla. Fallida, un paso atrás en la carrera de Diblasi.

Enoch
Valoración:3/10
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miércoles, 11 de enero de 2017

Marea Negra - Peter Berg

Título original: Deepwater Horizon

Año: 2016
Duración: 107 min.
País: Estados Unidos

Director: Peter Berg
Guión: Matthew Sand, Matthew Carnahan
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Enrique Chediak

Reparto: Mark Wahlberg, Kurt Russell, Kate Hudson, John Malkovich, Dylan O'Brien, Gina Rodriguez, Ethan Suplee, Brad Leland, J.D. Evermore, Joe Chrest, Chris Ashworth, Jeremy Sande, Stella Allen, Michael D. Anglin, Ilan Srulovicz, Graham McGinnis, James DuMont, Douglas M. Griffin, David Maldonado

Productora: Summit Entertainment / Participant Media / di Bonaventura Pictures

"Deepwater Horizon" recrea y dramatiza la catástrofe real acontecida en 2010 en el Golfo de México. Allí, una plataforma petrolífera fue epicentro de un desastre, por un híbrido de mala gestión y accidente, un oleoducto provocó la catástrofe, no sólo generando un inmenso daño medioambiental, sino acabando con la vida de muchos de los trabajadores del lugar.

Peter Berg dirige esta película inspirada en hechos reales que trata de acercarnos tanto a los acontecimientos como al factor humano, la tragedia de los hombres y mujeres que sufrieron en primera persona el desastre.

En su vertiente más técnica, "Marea Negra" es una película brillante en la construcción de escenarios y más aún, en la destrucción de los mismos, con un apabullante abanico de efectos visuales perfectamente dibujados para capturar la emoción de la audiencia. Pero quizás lastre el disfrute un excesivo tecnicismo en la presentación de los acontecimientos, que desorienta y pierde al espectador medio, profano en cuanto al funcionamiento y terminología ligados a unas instalaciones como la que presenta.

Otro factor un tanto mejorable es el retrato de personajes, un tanto aséptico y con escasa profundidad, no consiguiendo con ello que la emoción se dispare por la tragedia individual, sino sólo por la global presentada.

Pese a todo ello, "Marea Negra" es una película muy disfrutable por su buen hacer formal, porque pese a que no consiga hacernos entender mucho de lo que ocurre, o no logre que nos impliquemos demasiado con la mayoría de sus personajes, sí alcanza unas cotas de tensión y emoción en su desarrollo que hace que olvidemos todo lo demás para agarrarnos a la butaca y sufrir ante la magnitud de la tragedia. Interesante.

Enoch
Valoración:6/10
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martes, 10 de enero de 2017

Animales Nocturnos - Tom Ford

Título original: Nocturnal Animals

Año: 2016
Duración: 115 min.
País: Estados Unidos

Director: Tom Ford
Guión: Tom Ford (Novela: Austin Wright)
Música: Abel Korzeniowski
Fotografía: Seamus McGarvey

Reparto: Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Armie Hammer, Aaron Taylor-Johnson, Michael Shannon, Isla Fisher, Kristin Bauer van Straten, Karl Glusman, Ellie Bamber, Toni French, Amanda Fields, Karli Karissa, Carson Nicely, Lee Benton, Imogen Waterhouse, Laura Linney

Productora: Focus Features / Universal Pictures

Una mujer de éxito, que supone tener todo cuanto podía desear, un marido perfecto, una casa perfecta, un trabajo perfecto... verá cómo los cimientos de su existencia tiemblan cuando llega a su poder un manuscrito. Su antiguo marido, escritor, le envía en primicia su nueva obra. La curiosidad le lleva a sumergirse en sus páginas, y a medida que su lectura avanza por un relato violento y oscuro, la línea que separa la realidad y la ficción, dibujada con tinta de venganza, se hará más y más fina y confusa.

El afamado diseñador Tom Ford regresa al mundo del cine donde ya probo (buena) suerte con su delicioso anterior trabajo "A Single Man", adaptando ahora la novela de Austin Wright. El listón y las expectativas estaban altas, y el resultado no ha estado sólo al nivel, sino que es de tal calidad que coloca a Ford entre uno de los directores con más personal visión del panorama cinematográfico actual.

Ford consigue sacar una vez más lo mejor de su elenco de actores. La atormentada Amy Adams, y un turbio Jake Gyllenhall, bordan sus papeles protagonistas, quitando el aliento con dos de las creaciones más intensas y matizadas del año. Pero no sólo ellos brillan, pues su trabajo se ve enmarcado por un grupo de secundarios inolvidables sin los cuales la narración no hubiera logrado las cotas de fuerza que alcanza, hablamos de unos impecables Michael Shannon y Aaron Taylor-Johnson.

Técnicamente la película es un caramelo envenenado, con un virtuoso cuidado al detalle que llama poderosamente la atención. Cada plano está milimetrado, cada ambiente, cada elemento y objeto, todo tiene su lógica y sentido en este relato en el que la atención se ve absorbida de forma plena y constante, embotada por un onírico aroma de pesadilla. Todo ello se adereza con un trabajo de fotografía impecable y una ambientación musical redonda, ambas herramientas de seducción para una audiencia rendida.

Pero es en la conjugación de todos estos elementos y la traslación a imágenes del guión del propio Ford, donde "Animales Nocturnos" brilla, con un justo equilibrio de lo que cuenta y lo que silencia, dando pinceladas, piezas de un puzle que el espectador ha de construir y que tiene más de un posible resultado.

Una película extraña, hipnótica, tan hermosa como turbia, con una calidad técnica, narrativa e interpretativa para quitarse el sombrero. Una joya.

Enoch
Valoración:9/10
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lunes, 9 de enero de 2017

Arq - Tony Elliott

Título original: ARQ

Año: 2016
Duración: 88 min.
País: Estados Unidos

Director: Tony Elliott
Guión: Tony Elliott
Música: Keegan Jessamy, Bryce Mitchell
Fotografía: Daniel Grant

Reparto: Robbie Amell, Rachael Taylor, Gray Powell, Jacob Neayem, Shaun Benson, Adam Butcher, Jamie Spilchuk

Productora: Netflix / Lost City / XYZ Films / MXN Entertainment

En un futuro postapocalíptico, la humanidad se halla dividida en dos facciones, aquellos que siguen los preceptos gubernamentales de "Torus", y "El Bloque", un grupo rebelde. En este entorno conoceremos a una pareja, desarrolladora y custodia de un ingenio técnico que puede ser una fuente de energía clave para revertir la situación global. Pero no sólo eso, sino capaz de generar alteraciones temporales. De ellas se aprovecharán para, una y otra vez, conseguir que no caiga en malas manos.

Tony Elliott escribe y dirige esta producción de Netflix, que desde una perspectiva y medios mucho más humildes, hibrida los elementos de films como "El Día de la Marmota" o "Al Filo del Mañana" para crear un relato centrado en los bucles temporales como eje argumental.

La película restringe su desarrollo al interior del hogar del protagonista, haciéndonos conocer la situación exterior a través de contadas y medidas alusiones para contextualizar los hechos. Este factor no pesa en su contra sino subraya el mérito del entretenimiento propuesto con su dosificación de información (quizás un tanto escasa).

El trabajo de sus protagonistas también resulta, como la ambientación del film, aceptable y correcta aunque sin gran trascendencia emocional en sus relaciones o devenir de las situaciones presentadas.

Y en todo ello reside su virtud, en la corrección y buena conjugación de sus escasos ingredientes para lograr un rato de buclado entretenimiento para la audiencia. Y en ello reside su mayor debilidad, todo en "Arq" es aceptable, pero en nada destaca como para apasionar o trascender tornándola una película para el momentáneo entretenimiento e inmediato olvido. Pasable.

Enoch
Valoración:5/10
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domingo, 8 de enero de 2017

Crudo - Raw - Julia Ducournau

Título original: Grave - Raw

Año: 2016
Duración: 98 min.
País: Francia

Director: Julia Ducournau
Guión: Julia Ducournau
Música: Jim Williams
Fotografía: Ruben Impens

Reparto: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Nait Oufella, Laurent Lucas, Bouli Lanners, Joana Preiss, Marion Vernoux, Denis Mpunga, Jean-Louis Sbille

Productora: Petit Film / Rouge International / Frakas Productions

Una joven vegetariana comienza su andadura universitaria donde cursará sus estudios de veterinaria. Sus hábitos alimenticios pronto supondrán un problema en su nuevo entorno, en el que tratará de apoyarse en su hermana mayor y los amigos que va haciendo en esta nueva etapa, una época de autodescubrimiento y crecimiento. En esta vorágine de acontecimientos conocerá su parte más oscura, un hambre que sólo puede saciarse con carne humana, un deseo... voraz.

"Raw" ha recibido a lo largo de su carrera por diversos festivales de primer orden, numerosos premios por su arriesgada y bien llevada propuesta, acaparando tres galardones en Sitges, el Fipresci en Cannes...etc. Más cercanos han sido sus reconocimientos por los Blogos de Oro, que le otorgaron la mención especial a su paso por Sitges y su máximo reconocimiento en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

Julia Ducournau escribe y dirige este film polémico y extraño, que se sale de las reglas usuales del género para caminar por un terreno pleno de metáfora pero no exento de explícitas provocaciones no aptas para todos los estómagos.

La directora nos sumerge en un período tan turbulento como es la adolescencia, el salto al abismo del mundo adulto abandonando el parental cuidado, la lucha que ello implica, las elecciones no siempre fáciles, los sacrificios, la batalla en busca del propio yo y su aceptación... innumerables son las referencias psicológicas, las reflexiones que plantea la película desde su sangrienta metáfora. Recursos todos ellos que permiten disfrutar de la película desde una perspectiva meramente lúdica o sumergirse en el debate y reflexión que suscitan sus numerosas capas ideológicas.

Más que correcta es su puesta en escena, las atmósferas sórdidas que nos presenta, tanto por el ambiente presentado, como por el retrato social, más depredador aún que la propia protagonista del film. Igualmente, el trabajo de sus actrices principales resulta brillante, acercándonos a su drama personal y consiguiendo hacerlo nuestro, estupendas.

Con todo ello, "Crudo" es una propuesta de gran cine, tanto en su parte más terrorífica como en su vertiente más filosófica, una película bien escrita, realizada e interpretada, tan disfrutable en su visionado como en su posterior debate. Muy interesante y recomendable.

Enoch
Valoración:8/10
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sábado, 7 de enero de 2017

La Autopsia de Jane Doe - André Øvredal

Título original: The Autopsy of Jane Doe

Año: 2016
Duración: 99 min.
País: Reino Unido

Director: André Øvredal
Guión: Ian B. Goldberg, Richard Naing
Fotografía: Roman Osin

Reparto: Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Parker Sawyers, Jane Perry, Yves O'Hara, Adrian Palmer, Mark Badham

Productora: 42 / Goldcrest Films International / Impostor Pictures

Un crimen pleno de misterio tiene totalmente anonadada a la policía. En busca de sus claves y resolución el cadáver de una de las víctimas, una joven sin identificar, será llevada a una funeraria familiar para realizarle la autopsia. El responsable del negocio y su hijo se pondrán manos a la obra, para nada podía prepararlos para los terroríficos misterios que se esconden tras la quietud y silencio del cuerpo fallecido.

André Øvredal, el que fuera responsable del aclamado falso documental "Troll Hunter", da un notable giro de registro para realizar una película de terror más clásica, pero cargada de potentes recursos que le ha canjeado el favor de crítica y público a lo largo de los diversos festivales por donde ha pasado, logrando, por ejemplo, el premio especial del jurado en el Festival de Sitges 2016 o una de las más potentes puntuaciones en el premio del público durante la Semana de Cine Fantástico  y de Terror de San Sebastián 2016.

Sus fortalezas se asientan, tanto en la correcta interpretación de sus protagonistas, Emile Hirsch y Brian Cox, que crean unos interesantes y verosímiles personajes, como en una fantástica utilización del espacio. "La Autopsia de Jane Doe" restringe su desarrollo prácticamente en su integridad al interior de la decadente funeraria familiar, y sus recursos consiguen generar una atmósfera de amenaza y laberíntica claustrofobia, redondas.

Pero, a mi entender, su principal virtud reside en su guión, cómo sabe dosificar los datos, concatenar las revelaciones y misterios de tal forma que consigue atrapar por completo el interés de principio a fin, además de llevar un milimetradamente inteligente crescendo de inquietud con un ritmo estupendo.

Terror, sobresaltos e interés logrados con un buen hacer técnico, interpretativo y narrativo, sin necesidad alguna de alardear de grandes efectos visuales. Una de las propuestas de género más interesantes de la temporada. Muy recomendable.

Enoch
Valoración:8/10
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viernes, 6 de enero de 2017

Swiss Army Man - Dan Kwan y Daniel Scheinert

Título original: Swiss Army Man

Año: 2016
Duración: 95 min.
País: Estados Unidos

Director: Dan Kwan, Daniel Scheinert
Guión: Dan Kwan, Daniel Scheinert
Música: Andy Hull, Robert McDowell
Fotografía: Larkin Seiple

Reparto: Paul Dano, Daniel Radcliffe, Mary Elizabeth Winstead, Timothy Eulich, Richard Gross, Marika Casteel, Aaron Marshall, Antonia Ribero, Shane Carruth

Productora: Cold Iron Pictures / Tadmor / Astrakhan Film SB / Blackbird Films

"Swiss Army Man" nos presenta a Hank, un joven que lleva mucho tiempo atrapado en una isla desierta. Cualquier novedad resulta estimulante, y el mar siempre trae sorpresas, pero ninguna como la llegada de un cadáver a sus costas. Hank no sólo rescatará el cuerpo de las aguas, sino que hará de él su compañero, afianzando entre ellos más y más la relación a medida que viven incontables aventuras...

Dan Kwhan y Daniel Sheinert escriben y dirigen esta entrañable y fresca comedia independiente que ha recibido importantes reconocimientos a nivel internacional además de alzarse con el premio a la mejor película y actor en el Festival de Sitges y clausurar la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián 2016.

Más allá de los gags cómicos y de las interminables flatulencias, uno de los pilares de la película es su guión, que apela en su narrativa no sólo al entretenimiento y la sonrisa, sino que sabe ahondar en la radiografía del ser humano y desde el dolor o la termura recordar al espectador su esencia, tanto la propia, como aquella que forja una relación, sin importar su naturaleza.

Pero nada sería de tanta creatividad sin unos actores que dieran vida a las ideas presentadas de una manera efectiva. Paul Dano, como el "naúfrago" protagonista, está brillante y despierta la automática empatía y simpatía a la audiencia, pero es Daniel Radcliffe, como su cadáver compañero, quien gratamente sorprende. Su creación es brillante pese a la dificultad añadida de interpretar a un muerto, logrando transmitir una galería de emociones estupenda.

Sin grandes alardes visuales, pero con una sabia utilización de las atmósferas y localizaciones y una fotografía al servicio del tono de cada de escena, "Swiss Army Man" termina de seducir la retina y crear una atmósfera de cuento, de onírica ensoñación, destinada a permanecer en la memoria.

Una aventura, una película, que disfrutar con una sonrisa de principio a fin, llena de fantasía, ternura... y pedos. Original e interesante.

Enoch
Valoración:7/10
Trailer:

jueves, 5 de enero de 2017

TerraFormars - Takashi Miike

Título original: Terra formars

Año: 2016
Duración: 113 min.
País: Japón

Director: Takashi Miike
Guión: Yû Sasuga, Ken'ichi Tachibana, Kazuki Nakashima
Fotografía: Hideo Yamamoto

Reparto: Rinko Kikuchi, Rila Fukushima, Kane Kosugi, Emi Takei, Takayuki Yamada, Shun Oguri, Tomohisa Yamashita, Hideaki Itô, Masaya Katô, Eiko Koike, Rina Ohta, Mariko Shinoda

Productora: Warner Bros

La película nos lleva a un futuro en el que la humanidad ha conseguido tornar Marte en un planeta habitable. Para ello, mucho tiempo atrás, se había enviado musgo y cucarachas para que hicieran de la atmósfera algo respirable y comenzara la vida en el Planeta Rojo. Pero las criaturas han evolucionado, mutado y ahora son seres poderosos celosos de su territorio. Para erradicar la plaga, será enviado al territorio marciano a un grupo de personas, descastados de la sociedad, pero nada podía prepararles, ni aún los poderes que les son conferidos como arma, para lo que habrán de enfrentar en tierra extraterrestre.

El prolífico Takashi Miike adapta a la gran pantalla el exitoso manga "TerraFormars" haciendo que esta aventura cobre vida más allá de las páginas y llegue al grán público como vehículo evasivo y de máximo entretenimiento.

Argumentalmente, la película es original y atractiva pese a sus muchos absurdos creativos, a la par que estéticamente, se encuentra estupendamente trabajada, cuidando sus escenarios galácticos, sus caracterizaciones bizarras y, en general sus efectos visuales, maquillaje y fotografía, bien agradables.

Quizás lo encorsetado de su dibujo de personajes, demasiado cargado de tópicos, lastre un tanto su desarrollo, así como cierta parte de su metraje, que, aunque espectacular, resulta innecesariamente alargada repitiendo estructuras y penalizando la diversión.

Con sus virtudes y defectos, "Terra Formars" es una propuesta para disfrutar no tomándola demasiado en serio, dejándose llevar por sus locuras y el loco divertimento que propone. Agradable para pasar un buen rato entre amigos comentando sus giros y sorprendentes recursos.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer:

miércoles, 4 de enero de 2017

Melanie, The Girl With All The Gifts - Colm McCarthy

Título original: The Girl with All the Gifts

Año: 2016
Duración: 105 min.
País: Reino Unido

Director: Colm McCarthy
Guión: Mike Carey (Novela: Mike Carey)
Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Simon Dennis

Reparto: Sennia Nanua, Paddy Considine, Gemma Arterton, Glenn Close, Anamaria Marinca, Dominique Tipper, Anthony Welsh, Fisayo Akinade, Yusuf Bassir, Daniel Eghan, Elise Reed, Richard Price, Amy Newey, Matthew Smallwood, Lobna Futers

Productora: Altitude Film Sales / BFI Film Fund / Poison Chef

En un terrible futuro, la humanidad ha sido diezmada por un virus portado por un hongo, que torna a quien infecta en depredador ansioso de sangre,  casi hasta su extinción. La última esperanza de los supervivientes se centra en el estudio de un peligroso grupo de niños nacidos ya con la mutación. La relación entre uno de los sujetos, Melanie, y sus captores les llevará a plantearse grandes dilemas y les arrastrará a una aventura que puede acabar o salvar lo poco que queda de un mundo agonizante.

Mike Carey adapta su exitosa novela al cine, firmando un guión elegantemente dirigido por Colm McCarthy, regalándonos una distopía adulta que se sumerge de lleno en el debate ético y moral a la par que no sacrifica la emoción de un thriller postapocalíptico.

Formalmente la película funciona a la perfección, recreando con una estupenda ambientación la decadencia de un mundo al borde la desaparición, con tan opresivos espacios cerrados como amenazantes parajes abiertos donde la naturaleza reclama lo que fue suyo.

En cuanto a sus intérpretes, cabe destacar la labor de su trío protagonista, Gemma Arterton y Glenn Close están, como siempre, correctas en sus papeles, aunque un tanto a la sombra de la niña sobre la que gira la historia, una Sennia Nanua que borda su interpretación. Quizá es el abanico de secundarios que les rodean quienes están más desdibujados, presentados sin profundidad alguna lastrando la narración al terminar resultando intrascendente para la audiencia el destino de los mismos.

Su relato es fluído, aunque, a mi entender, un poco carente de crescendo narrativo, resultando muy apasionante en su presentación y primera parte, y más tópica en su desarrollo (aunque remonta a su conclusión).

En resumen, una película con grandes ideas, correctas formas e interpretaciones, que si bien no será un hito del género, sí resulta un efectivo vehículo para el entretenimiento y posterior debate. Interesante.

Enoch
Valoración:6/10
Trailer: