domingo, 30 de septiembre de 2012

Lo imposible (The Impossible / Juan Antonio Bayona)

Valoración: 8/10

Juan Antonio Bayona, tras el éxito de su película "El Orfanato" regresa por la puerta grande con una película de primera línea inspirada en la experiencia real vivida por una familia durante el desastre natural acontecido en 2004 en el sudeste asiático, un tsunami que sesgó cientos de vidas y destrozó cientos de familias.

María y Henry se desplazan a pasar la navidad a un resort de primera línea de playa junto a sus tres hijos, un lugar idílico, un paraíso tropical donde relajarse y olvidar las preocupaciones. Pero de repente, la furia de la naturaleza se desata y una ola inmensa se alza arrasando todo a su paso, separando a la familia y arrastrándolos hacia la muerte. Esta es la historia de su lucha por la supervivencia y la desesperada búsqueda a la que les fuerza el desastre.

Presentada con éxito en los festivales de Toronto y San Sebastián,  "The Impossible" ha cosechado el favor de crítica y público y la unanimidad en la valoración del primer tercio de metraje como uno de las más angustiosas, realistas, viscerales y terroríficas recreaciones visuales de un desastre natural en la gran pantalla. La dureza de las imágenes encoge el ánimo del espectador, el horror traspasa las retinas y se instala en las entrañas y la empatía que consigue Bayona con las vivencias mostradas es inevitable.

La segunda parte de la película, la epopeya de búsqueda y supervivencia de aquellos miembros de la familia que ganaron la batalla contra el poder de la rabia del océano busca un camino distinto para llegar a la audiencia dejando a un lado la sangrienta angustia para tocar la emoción y el corazón. Una potente banda sonora a cargo de Fernándo Velazquez y unas desgarradas interpretaciones fluyen junto a un guión que manipula y guía al espectador a terrenos donde la lágrima es buscada y conseguida.

Cabe destacar, no sólo la titánica labor del director ante un proyecto de tal magnitud, sino también la de su elenco protagonista, absolutamente convincente y de rotunda efectividad. Naomi Watts y Ewan McGregor encarnando a los padres se dejan la piel en sus interpretaciones llenas de verdad, y la elección de los niños que dan vida a sus hijos en la ficción es digna de un casting de los viejos tiempos de Spielberg. Todo un acierto.

Con todo ello es "Lo imposible" una película que arranca en lo espectacular sin perder realismo ni ahorrar horror ni sangre, que camina por la aventura desgarrada y termina con un baño de emociones. Un éxito que subraya que el buen cine, además de lo artístico, puede beber del espectáculo, la emoción, y sobre todo el entretenimiento más visceral. Altamente recomendable.

-Enoch-

Si de verdad quieres... (Hope Springs)

Valoración: 7/10

David Frankel, aquel que dirigiera la exitosa "El diablo viste de Prada", regresa a la comedia de situación con esta pequeña película sobre las crisis matrimoniales.

"Hope Springs" nos cuenta la historia de una pareja, que después de llevar más de una treintena casados se hallan sumergidos en una hastiada rutina donde el contacto físico no existe y el amor es más costumbre que pasión. Pero la mujer decide poner punto y final a la situación tomando cartas en el asunto y sometiendo a la pareja (contra la voluntad de su marido) a una sesión de terapia para recuperar la chispa perdida.

Dos son los pilares que hacen de este pequeño film algo grande, pues son sus dos interpretaciones principales, el matrimonio interpretado por Meryl Streep y Tommy Lee Jones,  quienes aportan un valor añadido a la película que arrastrará al espectador desde la ternura a la carcajada, de la sonrisa a la lágrima. Ambos bordan unos papeles que elevan un guión un tanto simple a un nivel superior. Ella, como siempre, perfecta en lo que se propone, y él, sorprendentemente efectivo en un papel en el que no estamos acostumbrados a verle logrando nuevos registros interpretativos que le sitúan en esta producción al nivel de su compañera metiéndose al público en el bolsillo y ganando una instantánea empatía.

Junto a ellos una galería de secundarios capitaneados por Steve Carell encarnando al enervantemente plano terapeuta y meros cameos desde Elisabeth Shue a Mimi Rogers, personajes sin importancia alguna que enmarcan a la historia principal sin aportar nada de especial.
Una puesta en escena sencilla, una banda sonora que guía (quizás con excesivo descaro) las emociones del espectador... una historia mínima con una máxima calidad en sus interpretaciones que la elevan por encima de la media. Divertida, emotiva e interesante.

-Enoch-

jueves, 27 de septiembre de 2012

El Fraude (Arbitrage)

Valoración: 6/10

Nicholas Jarecki firma la dirección de este efectivo thriller presentado en la inauguración de la 60 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

En él se nos narra la historia de Robert Miller, un ejecutivo que es la encarnación del éxito, tanto en los negocios como en lo personal. Mas el engaño subyace bajo la apariencia de perfección, y las mentiras en ambos campos se tornarán amenazas a la sombra de la posibilidad de salir a la luz y derrumbar toda su idílica existencia como si de un castillo de naipes se tratara.

La temática del fraude financiero es muy efectiva para los tiempos que corren, así como eterna la del engaño en el matrimonio, con lo que con ello la película apunta a entretener a un espectro amplio de público, factor que representa una gran virtud, sabiendo el director repartir entre ambos bloques temáticos  el peso de la historia y contarla de una manera fluida.
Sin duda el pilar básico sobre el que se asienta la película es la interpretación de un Richard Gere que factura un papel con una solvencia e intensidad inusitada y con el que parece recuperar toda su forma un tanto apagada en los últimos tiempos. Junto a él, Susan Sarandon, como la gran mujer tras el gran hombre, brilla mucho menos de lo que debería dado el escaso metraje que le es reservado, factor que me parece una gran pena y que bien aprovechado podría haber dotado de más intensidad al film.

Comercial y llena de recursos, "Arbitrage", no pierde por ello su inteligencia y elegancia, pero adolece de un cierto vacío, entretiene al máximo pero deja un poso, al analizarla tras su visionado, de que ha prometido más de lo que realmente ha entregado al espectador.
Entretenida, interesante pero no inolvidable.

-Enoch-

Baztan

Valoración: 4/10

Iñaki Elizalde dirige esta película de metacine donde nos hará viajar al valle del Baztán, a sus raíces más profundas en pos de mostrar los orígenes de la discriminación a un grupo, "los agotes".

"Baztan" es una película en dos tiempos. El presente, donde el equipo de la película se va desplazando al valle a rodar un film de época, donde se nos muestra la vida en la actualidad de los habitantes de la región, su participación en la realización de la película, sus impresiones sobre qué hay detrás de "los agotes", etc.  El pasado, a través de la película que allí ruedan, donde las diferencias abismales entre clases y las oscuridades de la superstición y la crueldad de la discriminación hacen mella en las relaciones humanas y generan una casta marginal.

Esta dualidad supone la debilidad más grande la película, porque si bien la parte que atañe al "pasado" es intensa, emocional y emocionante y goza de un buen hacer técnico (vestuario, fotografía, dirección artística) digno de alabanza, la parte "presente" donde se entrelazan situaciones comunes de la vida diaria del valle, comentarios sobre la filmación de la otra parte, etc. resulta más propia de un documental de "making off" que de una película en sí misma. Este hecho, si bien no provoca el aburrimiento del espectador y tiene más de un momento enternecedor, entrecorta las emociones que suscita la parte más interesante del film, el origen de los agotes, sacando a la audiencia del crescendo de emoción y rompiendo así la implicación con lo que se nos cuenta y no alcanzando la profundidad deseada.

Así que por todo ello, me resulta un proyecto que apunta grandes maneras pero que por la inclusión y excesivo peso del "presente" en la película, fallido. Actores y recursos técnicos correctos, pero una línea narrativa errónea hacen perder fuelle a la gran historia que subyace bajo las nieblas del valle, bajo unas tierras que esconden huesos olvidados. Una lástima, pero como dice uno de los "entrevistados" en el film, para conocer la historia de "los agotes", será mejor sumergirse en un libro. Prescindible.

-Enoch-

miércoles, 26 de septiembre de 2012

Blancanieves (Pablo Berger)

Valoración: 8/10

Pablo Berger ("Torremolinos 73")  se lanza al vacío con un arriesgado y atípico film mudo y en blanco y negro que adapta a tierras andaluzas en los años 20 el cuento de los hermanos Grimm "Blancanieves".

A la sombra del éxito mundial de la producción francesa "The Artist" (que vio la luz mientras "Blancanieves" ya estaba en marcha) y llegando a los cines el mismo año en que desde EEUU lo hacían dos superproducciones adaptando el mismo relato, esta extraña joya del cine español se hace un hueco en las retinas, gusto y corazón de espectadores y crítica con una carácter más que propio y una hipnótica y cuidadísima puesta en escena en la que el virtuosismo visual rinde el arte a sus pies.

En esta adaptación, Blancanieves es Carmen, una niña que tras una infancia marcada por la tragedia sufrirá las vejaciones de su madrastra (interpretada por una Maribel Verdú en estado de gracia transformada en diva de las tinieblas) y que ya alcanzada la madurez (encarnada por una Macarena García que llena la pantalla)  buscará su propio camino acompañada de la conocida troupe de enanos, pero que en esta ocasión resultan ser toreros...

Si bien "The Artist" era efectiva homenajeando lejanos tiempos del cine mas mezclando antiguas y nuevas técnicas cinematográficas, "Blancanieves" se presenta más purista retomando el aspecto y puesta en escena más brillante del más artístico cine europeo de la época muda. Si bien las adaptaciones   realizadas en los mismos tiempos ("Mirror, Mirror" & "Blancanieves y la leyenda del Cazador") optan por la fábula y caminan en terreno fantástico, esta pisa con fuerza en un realismo, que si bien mágico, es cruelmente veraz.


Es con todo esta "Blancanieves" un tapiz empastado con maestría donde se hilan tanto unas interpretaciones magistrales (desde la llamativa madrastra hasta el último enano torero que acompaña a la protagonista) que despiertan desde el odio a la ternura, como un despliegue técnico donde vestuario, dirección artística y, sobre todo, una impresionante fotografía, que conduce al espectador a un plano de continua fascinación donde el cine se hace arte y la historia vehículo no sólo de entretenimiento sino ejercicio de poesía visual.

Si algo puede jugar en su contra es el uso (y puntual abuso) de factores como la tauromaquia o el flamenco, que pueden no ser del gusto de un amplio espectro de la audiencia y que pueden lastrar alguna de las escenas, mas Pablo Berger ha sabido, con su forma de plasmarlas, sobreponer el fondo a la forma, esquivar polémicas y heridas sensibilidades y hacer de su relato algo universal y sensitivo más que rendido a lo obvio de lo mostrado. Prueba de ello es el éxito cosechado durante su presentación en la 60 edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde se enfrentaba a un público no a priori amante de esos ingredientes pero al que aún con ellos supo y pudo conquistar.

Una joya extraña digna de ser visitada y disfrutada con la mente, y sobre todo, los sentidos, abiertos. Interesante.

-Enoch-

Salvajes (Savages /Oliver Stone)

Valoración: 6/10

Oliver Stone, adaptando una novela de Don Winslow, retoma la acción y la violencia en su película "Salvajes", presentada en la 60 edición del Festival de Cine de San Sebastián donde sendos premios Donostia se entregan su director y a una de sus estrellas, John Travolta, respectivamente.

En ella nos narra las desventuras de dos antagónicos amigos inseparables (que por compartir, comparten hasta novia) dedicados exitosamente al tráfico de drogas en Laguna Beach. Pero su amplio margen de beneficios no tardará en despertar las envidias de sus competidores que buscarán su punto más débil, la mujer que los une, para hacerse con su negocio, su dinero y sus vidas, un chantaje en el que están dispuestos a ceder, pero no a perder.

La película representa un retorno al cine más "sucio" de su director, donde no se escatima sangre, sexo y violencia a lo largo de una narración plagada de estrellas, entre las que encontramos a Blake Lively, Aaron Johnson, Taylor  Kitsch (que por fin parece elegir un buen papel tras sus anteriores descalabros), John Travolta, y un estupendo Benicio del Toro (de lo mejor de la película) además de Salma Hayek que, sin explotar su lado sexy borda el papel de reina del cartel y amante madre.

Sin regalar al espectador novedad alguna y durante un quizá excesivo metraje, Oliver Stone toma ingredientes exitosos y tópicos de sus films y los hila y actualiza a lo largo de esta historia que si bien es visualmente notable y trepidante se lastra y alarga por lo predecible de muchas de las situaciones presentadas hasta alcanzar su (innecesario) doble desenlace.

En conclusión, una película en la que si bien se agradece el retorno del director a terrenos oscuros, no termina de despuntar,impactar,  ni hacerse duradera en la memoria mas sí que resulta efectiva para un rato de entretenimiento disfrutando del lado "salvaje". Aceptable.

-Enoch - 

jueves, 20 de septiembre de 2012

Dragado Ángel


Llamada desesperada
Llama que quema mis yagas
Llama que se apaga.

Mi mirada se desvía,
ya no quiero formar parte
de esa vida.

Dejo mis alas,
ya no quiero ser el ángel negro,
ya me he cansado de saltar al vacío
para que éste no arranque vuestras
almas dulcificadas.

Llamada desesperada
Llama que quema mis yagas
Llama que se apaga.

Prefiero ser un alma errante,
un fantasma solitario que vaga
de madrugada por cualquier lugar
donde la gente no camina en la
oscuridad.
Seré una sombra,
formaré parte del abismo,
arrastraré a la gente hacia el
final de sus delirios.

-N.o.E-

Belle Sorenson, La Viuda Negra de La Porte


Nombre: Belle Sorenson Gunness (Brynhild Paulsdatter Størseth)
Sobrenombre: La Viuda Negra de La Porte
Fecha de nacimiento: 11 de Noviembre de 1859 (Selbu, Noruega)
Lugar de los asesinatos: La Porte, Indiana
País: Estados Unidos
Fecha de los asesinatos: 1896-1908
No. de Victimas: +14 asesinatos
Tipo de victimas: Hombres y niños
Tipo de Asesino: Sádica, Viuda Negra, Asesina de niños, Carnicera

Modus Operandi: Contactaba a hombres solos por medio de anuncios en periódicos, los llevaba a su granja donde los asesinaba, descuartizaba y se deshacía de los cadáveres envolviéndolos en sabanas para después enterrarlos, también mato a sus hijos al provocar el incendio de su granja.
Captura y condena: No se sabe si murió cuando su granja se incendio el 24 de Abril de 1908.
Informe final: La policía detuvo a Ray Lamphere, por haber provocado el incendio de la granja, al parecer Gunness quería fingir su muerte para cobrar un seguro, lo que nunca se supo es si logro salir viva o si murió accidentalmente en el incendio.

-N.o.E-

The Devil's Rock (La Roca del Diablo)


Valoración: 7/10

Desde las antípodas, Paul Campion firma la dirección de la  efectiva película de bajo presupuesto “The Devil’s Rock” con la que ha conseguido el favor del público a lo largo de diversos festivales así como de la crítica, subrayando ambos el máximo partido conseguido a partir de los mínimos recursos.

La película nos ubica en las jornadas previas al “día D”, en las Channel Islands, donde unos comandos se disponen a distraer la atención de los ejércitos Hitler  atacando sus emplazamientos militares. Pero aquello que encontrarán trasciende lo estratégico y humano, oscuras presencias sobrenaturales invocadas por las fuerzas nazis para consolidar su poder les esperan…


Gran parte del peso de la producción recae sobre el trío de actores protagonistas, Craig Hall, como el capitán Ben Groan de los comandos , Matthew Sunderland como el coronel Klaus Meyer, de aquellos que flirtean con lo oculto y Gina Varela, encarnando al mal en estado puro… Todos ellos bordan unas interpretaciones intensas, plenas de matices, y que, aliadas con un sencillo pero efectivo guión, dirigen al espectador a través del laberinto de emociones y descenso a los infiernos.

Complementando estas sólidas bases, los aspectos técnicos de la película aderezan la calidad del producto. Una fotografía que en su juego de luces y, sobre todo, sombras, generan una atmósfera opresiva y sacan el máximo partido a las escasas localizaciones. El cuidado al detalle en la recreación histórica de los elementos de la dirección artística y sobre todo un equipo de maquillaje que dibuja en sangrientos tonos el crescendo del físico sufrimiento de los personajes a lo largo del metraje y que dota  a las demoníacas apariciones de su protagonista femenina de la más cuidada seducción del lado oscuro fusionando horror con sensualidad.


Paul Campion, quien ya demostrara su buen hacer con el cortometraje Eel Girl (también presentado en la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián como la película que nos ocupa) se reafirma como un prometedor director, demuestra que con poco dinero y cuidando el detalle se puede construir buen cine y consigue aunar casquería, horror y relato serio sin perder credibilidad en el intento.
Una película pequeña de gran cine. Recomendable.

-Enoch-